Untitled 127 सिर्फ आपकी दीवारों के लिए, तेल रंगों से हाथ से पेंट किया गया

मार्क रोथको का प्रारंभिक जीवन

मार्क रोथको का जन्म 1903 में मार्क्स याकोवलेविच रोथकोविट्ज़ के रूप में हुआ था। उनका जन्म रूस के dvinsk में हुआ था, जिसे आज लातविया के दौगाउपिल्स के नाम से जाना जाता है। उनका परिवार 'पेल ऑफ सेटलमेंट' क्षेत्र में रहता था, जो राजनीतिक अशांति और लगातार बढ़ते दंगों के साये से घिरा हुआ था। अस्थिरता का यह माहौल उनके परिवार के साथ तब भी बना रहा जब वे 1913 में संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। एलिस आइलैंड से गुजरने के बाद, वे ओरेगन के पोर्टलैंड में बस गए।

उनके पिता, जैकब, एक फार्मासिस्ट के रूप में काम करते थे। वे समाजवादी विचारधारा वाले एक बुद्धिजीवी व्यक्ति थे, जिन्होंने अपने घर को सीखने और चर्चाओं के केंद्र के रूप में विकसित किया था। गहन चिंतन के इस वातावरण में एक अचानक हुई क्षति ने व्यवधान डाल दिया। अमेरिका पहुँचने के कुछ ही समय बाद, जैकब का निधन कोलोन कैंसर से हो गया। शोक का यह प्रारंभिक अनुभव और प्रवासी जीवन का संघर्ष उस व्यक्ति के निर्माण की एक शांत नींव बना, जो वे आगे चलकर बने।

न्यूयॉर्क में कलात्मक प्रशिक्षण और शुरुआती वर्ष

1923 में न्यूयॉर्क शहर की ओर उनके प्रस्थान ने उनके जीवन के दृष्टिकोण में एक बड़ा बदलाव लाया। येल विश्वविद्यालय में समय बिताने के बाद, शहर के आकर्षण ने उन्हें औपचारिक शिक्षा के दायरे से बाहर खींच लिया। उन्होंने अपनी कलात्मक शैली को निखारने के लिए आर्ट स्टूडेंट्स लीग का रुख किया। अपने इन शुरुआती वर्षों के दौरान, उनकी तूलिका (ब्रश) भौतिक और प्रत्यक्ष वस्तुओं को उकेरने में व्यस्त थी। उन्होंने पोर्ट्रेट और शहरी दृश्यों का चित्रण किया, जिसमें उन्होंने लोगों के चेहरों और शहर की सड़कों की कठोरता को बारीकी और गहनता के साथ कैनवस पर उतारा। उनका यह प्रारंभिक कार्य यथार्थवाद की नींव पर टिका था, जो अमूर्तता की ओर झुकाव पैदा होने से पहले भौतिक दुनिया को जीवंत रूप में कैद करता था।

1940 तक आते-आते, उन्होंने अपना नाम बदलकर मार्क रोथको करने का निर्णय लिया। यह उनके जीवन का एक परिवर्तनकारी दौर था, जहाँ वे अपने युवावस्था के संरचित चित्रणों से दूर जा रहे थे। उनका ध्यान अब शहर की पहचानने योग्य वस्तुओं से हटकर किसी ऐसी चीज़ की ओर बढ़ने लगा जो कम परिभाषित और अधिक गहन थी। वे अपने आस-पास की दुनिया के शाब्दिक आकारों पर निर्भर रहे बिना, मानवीय अनुभव के भारीपन और उसकी गहराई को व्यक्त करने का एक नया मार्ग खोज रहे थे।

अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की ओर विकास

जैसे-जैसे 1940 का दशक आगे बढ़ा, उनके शुरुआती वर्षों का वह सूक्ष्म यथार्थवाद धीरे-धीरे ओझल होने लगा। अब उनका ध्यान शहरी दृश्यों और पोर्ट्रेट के उन पहचाने जाने वाले विवरणों से हटकर कहीं और केंद्रित होने लगा था। इसके बजाय, वे अतियथार्थवाद (Surrealism) और पौराणिक कथाओं की भाषा की ओर मुड़ गए। उन्होंने मानवीय भावनाओं के भारीपन को व्यक्त करने का मार्ग खोजने के लिए इन विषयों का सहारा लिया। इस काल की पेंटिंग्स में अक्सर जैव-आकारिकी (biomorphic) आकृतियाँ देखने को मिलती थीं। ये रूप हवा में तैरते हुए प्रतीत होते थे, जो न तो पूरी तरह से मानव आकृतियाँ थे और न ही पूरी तरह से अमूर्त, बल्कि एक अनिश्चित अवस्था में झूलते हुए लगते थे।

यह दौर अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवाद (Abstract Expressionism) आंदोलन के साथ उनके जुड़ाव का प्रतीक बना। उन्होंने वस्तुओं की संरचित दुनिया को छोड़कर अपने भीतर की किसी गहरी चीज़ को टटोलना शुरू कर दिया। अब उनके कैनवस इस बारे में कम थे कि कोई वस्तु कैसी दिखती है, और इस बारे में अधिक थे कि वह किस भावना को समेटे हुए है। वे आकार और मिथक के माध्यम से मानवीय स्थिति की जटिलताओं को संप्रेषित करने का एक माध्यम खोज रहे थे।

• मदर एंड चाइल्ड (1934)
• द पगीलिस्ट
• द हाई प्रीस्ट (1945)

कलर फील्ड पेंटिंग का विकास

1940 के दशक के अंत तक, उनके काम में एक गहरा बदलाव आने लगा था। उन्होंने आकृतियों के स्वरूपों और पौराणिक कथाओं के आख्यानों को पीछे छोड़ दिया और किसी अधिक प्रत्यक्ष अनुभव की खोज में पहचानने योग्य छवियों को पूरी तरह से हटा दिया। उनके कैनवस अब विशाल आकार के हो गए थे, जो रंग के उन बड़े, आयताकार ब्लॉकों से भरे होते थे जो हवा में तैरते हुए प्रतीत होते थे। ये रूप केवल सतह पर टिके हुए नहीं थे, बल्कि एक उथले, जीवंत और सांस लेते हुए स्थान के भीतर अस्तित्व में होते प्रतीत होते थे। यह बदलाव उनके परिपक्व काल की शुरुआत का प्रतीक था, जो 'कलर फील्ड' (रंग क्षेत्र) चित्रकला के उदय से गहराई से जुड़ा हुआ था।

रंगों का अनुप्रयोग एक धीमी और परतों वाली प्रक्रिया थी। उन्होंने सतह को उभारने के लिए पिगमेंट के पतले वॉश का उपयोग किया, जिससे टोन और बनावट में सूक्ष्म बदलाव पैदा हुए। इन परतों ने प्रकाश को इस तरह से प्रदर्शित किया जैसे वह स्वयं कैनवस के भीतर से निकल रहा हो। रंगीन आकृतियों के किनारे कभी भी तीखे नहीं होते थे; इसके बजाय, वे धुंधले और कोमल थे, जिससे विभिन्न रंगों के बीच की सीमाएं पारगम्य महसूस होती थीं। इस अनूठी पद्धति ने कैनवस को एक शांत और गहन उपस्थिति के स्थान में बदल दिया।

• No. 1
• Three
• No. 3/No. 13
• No. 10 (Brown Black Sienna on Dark Wine)
• Magenta, Black, Green on Orange
• White over Red

तकनीक और रंगों की भाषा

मार्क रोथको की कलाकृतियाँ परतों को लगाने की एक विशिष्ट और शांत पद्धति पर आधारित हैं। उन्होंने तेल के रंगों की पतली परतों का उपयोग किया, जिससे सतह पर सूक्ष्म और पारभासी परतों का निर्माण हुआ। यह प्रक्रिया एक मखमली बनावट पैदा करती है जो सतह से केवल प्रकाश को परावर्तित नहीं करती, बल्कि ऐसा प्रतीत होता है जैसे प्रकाश पिगमेंट के भीतर ही समाया हुआ हो। तीखी रेखाओं के बजाय, उनके आयताकार रूपों के किनारे धुंधले होते हैं, जिससे रंग एक-दूसरे में घुलते और तैरते हुए प्रतीत होते हैं। रंगों के ये विशाल खंड गहराई का अहसास कराने के लिए बनाए गए हैं, जिससे कैनवस जीवंत और सांस लेता हुआ महसूस होता है।

उन्होंने उन शीर्षकों को हटा दिया जो किसी विशिष्ट विषय या कथा का संकेत दे सकते थे। कई कैनवस पर केवल सरल संख्याएँ होती हैं, जैसे कि No. 1 या No. 6, जो दर्शक को बिना किसी पूर्वधारणा के सीधे रंगों का सामना करने के लिए छोड़ देती हैं। यह चुनाव पेंट के साथ एक सीधा साक्षात्कार करने के लिए मजबूर करता है। उन्होंने इन चमकदार क्षेत्रों का उपयोग विशिष्ट और गहन मानवीय भावनाओं तक पहुँचने के लिए किया: त्रासदी, परमानंद और निराशा। इन कृतियों का पैमाना इतना विशाल है कि यह सामने खड़े व्यक्ति को अपने आगोश में ले लेता है, जिससे देखने की क्रिया एक शांत और तल्लीन कर देने वाले अनुभव में बदल जाती है।

• No. 10 (Brown Black Sienna on Dark Wine)
• No. 37 or No. 19
• White over Red

प्रमुख कमीशन और भित्ति चित्र परियोजनाएं

मार्क रोथको की कला अक्सर एक एकल कैनवस की सीमाओं को लांघकर पूरे कमरों को अपने आगोश में ले लेती थी। उन्होंने सीग्राम भित्ति चित्रों (Seagram murals) पर काफी समय बिताया, जो न्यूयॉर्क के एक रेस्तरां के लिए बनाई गई चित्रों की एक श्रृंखला थी। हालांकि, अंततः उन्होंने निर्णय लिया कि वह स्थान उनके काम के लिए उपयुक्त नहीं है और उन्होंने उन्हें लंदन की टैट गैलरी को दान कर दिया। रंग किसी स्थान को कैसे भरते हैं, इस विषय में उनकी गहरी रुचि ने उन्हें हार्वर्ड भित्ति चित्र श्रृंखला (Harvard Mural series) की ओर भी प्रेरित किया, जिसे होलीओक सेंटर के एक डाइनिंग रूम के लिए बनाया गया था।

ह्यूस्टन, टेक्सास में, उन्होंने रोथको चैपल के लिए चौदह पेंटिंग छोड़ीं। यह एक गैर-सांप्रदायिक स्थान है जिसमें काले रंग के विभिन्न शेड्स में उत्कृष्ट कृतियाँ मौजूद हैं। इन चित्रों को चैपल की वास्तुकला के भीतर इस तरह व्यवस्थित किया गया है कि वे शांत चिंतन के लिए एक विशिष्ट वातावरण तैयार करते हैं। इन कृतियों का पैमाना इतना विशाल है कि वे दर्शक को अपने भीतर समाहित कर लेते हैं, जिससे उनकी दृष्टि का कोना-कोना रंगों से भर जाता है।

जीवन के अंतिम वर्ष और दुखद अंत

मार्क रोथको के अपने ही कार्यों का भार अक्सर उनके मन पर भारी पड़ता महसूस होता था। अपने पूरे जीवन में, रोथको अवसाद से जूझते रहे, एक ऐसा निरंतर साया जो भावनात्मक सत्य की उनकी खोज के साथ-साथ चलता रहा। उन्होंने एक बहुत ही सादा जीवन जिया, और अक्सर अपने विशाल कैनवस के लिए आवश्यक शांत एकांत में सिमट कर रह जाते थे। मानवीय स्थिति—त्रासदी, परमानंद और हताशा—पर उनका गहरा ध्यान केवल उनके ब्रश के लिए कोई विषय मात्र नहीं था, बल्कि एक ऐसी वास्तविकता थी जिसे वे अपने भीतर ढोते थे।

जीवन के अंत तक, यह संघर्ष सहने से परे हो गया। 25 फरवरी, 1970 को, रोथको ने अपने स्टूडियो में आत्महत्या कर ली। उस समय उनकी आयु 66 वर्ष थी। उनकी मृत्यु अपने पीछे कलाकृतियों का एक विशाल संग्रह छोड़ गई, जिनमें कई ऐसी कृतियाँ भी शामिल थीं जो अधूरी रह गई थीं, या उन चित्रों की विशाल संपत्ति का हिस्सा थीं जिनसे उनके परिवार और निष्पादकों को बाद में जटिल कानूनी विवादों के माध्यम से गुजरना पड़ा।

उनकी कला की चिरस्थायी विरासत

मार्क रोथको की उपस्थिति का प्रभाव आज भी इस बात में महसूस किया जा सकता है कि उनके कैनवस किस तरह एक पूरे कमरे को अपने आगोश में ले लेते हैं। वे अपने पीछे 798 चित्रों की एक विशाल विरासत छोड़ गए, जो एक ऐसा व्यापक संग्रह है जो आधुनिक कला के इतिहास को आज भी मजबूती प्रदान करता है। रंग के विशाल और चमकदार आयताकार रूपों की ओर उनके झुकाव ने 'अमूर्त अभिव्यक्तिवाद' (Abstract Expressionism) आंदोलन को परिभाषित करने में मदद की और बाद में 'न्यूनतमवाद' (Minimalist) आंदोलन को भी गहराई से प्रभावित किया। उनकी ये कृतियाँ दर्शक का ध्यान खींचने के लिए किसी पहचानने योग्य आकार या आकृति पर निर्भर नहीं करतीं; बल्कि, वे गहराई का अहसास पैदा करने के लिए रंग की धीमी और लयबद्ध सांसों का सहारा लेती हैं।

उनका प्रभाव आने वाली पीढ़ियों के उस दृष्टिकोण में स्पष्ट रूप से दिखाई देता है, जहाँ कैनवस को मनोवैज्ञानिक और आध्यात्मिक अन्वेषण के एक स्थान के रूप में देखा जाने लगा। कथात्मक अव्यवस्था को हटाकर, उन्होंने इस बात को बदल दिया कि लोग पेंट की भौतिक वास्तविकता के साथ कैसे संवाद करते हैं। उनके चित्रों को 20वीं सदी की कला की सबसे महत्वपूर्ण कृतियों में से एक माना जाता है, जो अक्सर न्यूयॉर्क के म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट और लंदन के टेट मॉडर्न जैसे प्रमुख संस्थानों के स्थायी संग्रहों में पाए जाते हैं। उनके कार्यों का पैमाना अक्सर हमारी दृष्टि के परिधीय क्षेत्र को अपने भीतर समाहित कर लेता है, जो हमें एक शांत और ध्यानमग्न स्थिरता के लिए विवश कर देता है।

• No. 6 (Violet, Green and Red)
• Orange, Red, Yellow (1961)
• N.10 (1958)

आज उनके कार्यों को कहाँ देखा जा सकता है

मार्क रोथको के कैनवस के सामने खड़े होना एक शांत कमरे में रंगों के भारीपन का अनुभव करने जैसा है। न्यूयॉर्क में, 'म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट' में उनकी कई कृतियाँ सुरक्षित हैं। अटलांटिक के पार, लंदन में 'टेट मॉडर्न' उनके विशाल आकारों के साथ बैठने के लिए एक समान स्थान प्रदान करता है। वाशिंगटन, डी.सी. में, नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट उनकी पेंटिंग्स का एक संग्रह रखता है, जहाँ प्रकाश उनके तेल के पतले परतों वाले रंगों पर इस तरह पड़ता है कि वह उस गहराई को प्रकट कर देता है जिसे उन्होंने अपनी कला के माध्यम से खोजने का प्रयास किया था।

टेक्सास के ह्यूस्टन में स्थित 'रोथको चैपल' में एक विशेष प्रकार की स्थिरता और शांति महसूस होती है। यह एक गैर-सांप्रदायिक स्थान है जिसमें काले रंग के विभिन्न शेड्स में उनकी चौदह पेंटिंग्स मौजूद हैं। इस इमारत की वास्तुकला, जो एक ग्रीक क्रॉस के भीतर अंकित अष्टकोणीय आकार की है, स्वयं कलाकार से ही प्रभावित थी। यह शांत चिंतन का एक ऐसा स्थान बना हुआ है, जहाँ इन कलाकृतियों का विशाल पैमाना सामने खड़े व्यक्ति को अपने आगोश में ले लेने के लिए बनाया गया है।

लातविया के दौगाउपिलस में, रोथको संग्रहालय दौगाउपिलस किले की ऐतिहासिक आर्टिलरी आर्सेनल इमारत के भीतर स्थित है। यह यूरोप का एकमात्र ऐसा संस्थान है जो उनके एस्टेट से उधार ली गई मूल पेंटिंग्स को स्थायी रूप से प्रदर्शित करता है। आगंतुक उनके कार्यों को 'रोथको रूम' में देख सकते हैं, जो एक ऐसा स्थान है जिसे उनके मूल परिवेश का सम्मान करते हुए इन विशिष्ट कैनवस को रखने के लिए डिज़ाइन किया गया है।

• No. 1 (दिनांकहीन)
• Three (दिनांकहीन)
• No. 3/No. 13 (दिनांकहीन)
• No. 10 (दिनांकहीन)
• Magenta, Black, Green on Orange (दिनांकहीन)
• White over Red (दिनांकहीन)