Woods and november

Życie i wczesne lata Davida Hockneya

David Hockney przyszedł na świat 9 lipca 1937 roku w Bradford, w hrabstwie West Yorkshire w Anglii. Dorastał w domu pełnym życia, będąc czwartym z pięciorga dzieci. Jego ojciec, Kenneth Hockney, pracował jako urzędnik księgowy i byłosobą kierującą się własnym sumieniem, co objawiło się jego odmową służby wojskowej podczas II wojny światowej. Matka, Laura, była metodyczką i rygorystyczną weganką. Te wczesne lata upłynęły na tle industrialnego krajobrazu Yorkshire – krainy ceglanych fabryk i tętniących życiem targowisk.

Edukację rozpoczął w Wellington Primary School, by kontynuować ją w Bradford Grammar School. To właśnie w tym czasie otoczenie Bradford zaczęło kształtować jego unikalny sposób patrzenia na świat. Surowość przemysłowego serca Anglii oraz specyficzne światło tego regionu stworzyły tło dla jego formacyjnych lat. Wychowywał się w rodzinie, która ceniła niezależność myślenia, co było silnie zakorzenione w przekonaniach jego ojca wyniesionych z doświadczeń wojennych.

Artystyczne szkolenie i edukacja w Wielkiej Brytanii

Fundamenty jego twórczości zostały zbudowane poprzez lata uważnego przyglądania się światu. W latach 1953–1957 studiował w Bradford School of Art, gdzie okres ten koncentrował się na samej mechanice widzenia. Spędzał czas na praktykowaniu rysowania z natury oraz tworzeniu portretów, szlifując tradycyjne umiejętności obserwacji, które przez dziesięciolecia pozostawały centralnym punktem jego pracy. Kładziono wówczas ogromny nacisk na precyzję linii oraz sposób, w jaki dany obiekt osadzony jest w przestrzeni.

Przenosząc się z przemysłowego krajobrazu Yorkshire do Londynu, trafił do Royal College of Art. Był to czas intensywnego rozwoju technicznego. Realizował program nauczania, skupiając się na fundamentach formy oraz niuansach światła. W 1962 roku ukończył Royal College of Art ze złotym medalem. To wyróżnienie wyznaczyło koniec jego formalnej edukacji w Wielkiej Brytanii i początek kariery definiowanej przez nieustanną, niespokojną ciekawość dotyczącą tego, jak przedstawiać rzeczy, które widzi.

Ruch Pop Art i Los Angeles

Lata 60. XX wieku przyniosły moment, w którym David Hockney stał się centralną postacią ruchu Pop Art. Podczas gdy inni twórcy tego nurtu skłaniali się ku komercyjnej estetyce amerykańskiej kultury masowej, jego podejście pozostało głęboko osobiste. Przeprowadzka z Londynu do Los Angeles w 1964 roku stała się przełomem, który na zawsze odmienił sposób, w jaki postrzegał on kolor i światło. Intensywne, kalifornijskie światło stało się stałym elementem jego twórczości, odzierając z powściągliwości przygaszone tony z jego wcześniejszych lat. Zaczął dokumentować urok miasta z perspektywy outsidera, skupiając się na tym, jak światło osiada na powierzchniach oraz na specyficznych, nasyconych błękitach basenowej wody.

Ten okres w jego karierze definiuje fascynacja czasem wolnym oraz geometrią życia na przedmieściach. Większość czasu poświęcał na obserwację ruchu wody i jej refleksów, podejmując wyzwanie, któremu sprostał w swojej słynnej serii obrazów przedstawiających baseny. Te płótna, nakreślone wyraźną linią, chwytały hedonistyczny spokój życia spędzanego nad wodą. Odchodząc od dominujących wówczas trendów abstrakcyjnych, wybrał drogę malowania ludzi i rozpoznawalnych przedmiotów. Jego dzieła z tego okresu często zgłębiały cichą intymność relacji międzyludzkich oraz sposób, w jaki przestrzeń jest postrzegana przez pryzmat jasnego, bezpośredniego światła.

• A Bigger Splash (1967)
• Beverly Hills Housewife (1966)
• Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972)

Technika i ewoluujący język wizualny

Twórczość, którą uprawia David Hockney, to nieustanny ruch między różnymi sposobami patrzenia na świat. Nigdy nie pozostał on zamknięty w granicach jednego medium, swobodnie przechodząc od malarstwa i rysunku, przez grafikę warsztatową, aż po fotografię. Jego proces twórczy często bierze swój początek w bezpośredniej obserwacji i rysowaniu z natury. Wykorzystuje portret, aby zgłębić sposób, w jaki twarz przechowuje podobieństwo do modela, lecz jednocześnie eksperymentuje ze strukturą przestrzeni. Stosując perspektywę odwróconą, zakłóca tradycyjny sposób, w jaki postrzegamy scenę, tworząc poczucie głębi, które odróżnia się od standardowego kadru fotograficznego. Fotografia często służyła mu jako medium przygotowawcze – używał aparatu, by uchwycić ulotną chwilę, zanim przełoży ją na język malarski.

Sposób, w jaki operuje kolorem i światłem, ewoluował wraz ze zmianą jego narzędzi. W młodszych latach sięgał po akryle, aby uzyskać nasycone, intensywne barwy, co było szczególnie widoczne w przedstawieniach ruchu wody w basenach. Z czasem zwrócił się ku mediom cyfrowym. Korzystając z iPadów, zaczął na nowo wyobrażać sobie krajobrazy, odnajdując świeży sposób na uchwycenie zmiennego światła i barw naturalnego świata. Ta transformacja – od fizycznej farby do cyfrowych ekranów – świadczy o jego nieustannym zainteresowaniu tym, jak technologia może modyfikować naszą percepcję miejsca. Jego dzieła stanowią zapis tych technicznych przesunięć, od precyzyjnej linii rysunku po wielowarstwowe kompozycje cyfrowych pejzaży.

• A bigger splash (1967)
• Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972)
• The Arrival of Spring in Woldgate (bez daty)

Kluczowe dzieła i ikoniczne obrazy

Sposób, w jaki światło pada na powierzchnię, często dyktuje kierunek kompozycji malarskiej. W 1961 roku, w dziele We Two Boys Together Clinging, artysta zgłębił intymność ludzkich więzi, posługując się językiem symbolu i tekstu. Ta wczesna praca ukazuje skupienie na relacjach między ludźmi oraz śladach, jakie pozostawia po sobie ich obecność. Późniejsza zmiana estetyki, skierowana ku jasnym, nasyconym barwom Kalifornii, całkowicie odmieniła sposób, w jaki woda była przedstawiana na płótnie. A Bigger Splash, powstały w 1967 roku, chwyta ulotną chwilę ruchu w basenie, wykorzystując ostre linie, aby zdefiniować interakcję między światłem a cieczą.

W twórczości ta artystyczna uwaga często oscyluje między krajobrazem a ludźmi, którzy się w nim odnajdują. W 1971 roku, obraz Mr and Mrs Clark and Percy połączył w sobie poczucie towarzystwa oraz wyrazistość charakteru postaci. To podejście do portretu kontynuowane było w 1972 roku w Portrait of an Artist (Pool with Two Figures, gdzie wykorzystanie fotografii jako medium przygotowawczego pomogło zdefiniować układ przestrzenny. Dzieła te świadczą o nieustannym zainteresowaniu tym, jak postrzegamy przestrzeń i w jaki sposób ludzie ją wypełniają.

• We Two Boys Together Clinging (1961)
• A Bigger Splash (1967)
• Mr and Mrs Clark and Percy (1971)
• Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972)

Scenografia i zamówienia operowe

Język wizualny, który David Hockney wypracował na płótnie, często odnajdywał zupełnie inny rytm w przestrzeni teatru. Jego praca nad scenografią wymagała niezwykłej dyscypliny i długich okresów intensywnej koncentracji, sięgających niekiedy ponad roku dla jednej produkcji. Artysta płynnie przeszedł od dwuwymiarowej płaszczyzny obrazu do trójwymiarowej przestrzeni sceny, tworząc oprawę wizualną dla Czarodziejskiego fletu Mozarta. Ta transformacja wymusiła zmianę w sposobie, w jaki operował światłem i ruchem, przekładając swoje fascynacje perspektywą na środowiska zdolne pomieścić żywe, dynamiczne widowisko.

Jego zaangażowanie w świat opery obejmowało między innymi inscenizację Postęp szubrawca Igora Strawińskiego w 1975 roku. Później, w 1990 roku, stworzył projekty do Turandot Giacomo Pucciniego. Projekty te zmuszały go do głębokiej refleksji nad tym, jak postać porusza się w przestrzeni oraz jak scenografia może ewoluować wraz ze zmianami w muzyce. Artysta przeniósł swoje wyczucie kompozycji również do świata mody, projektując okładkę oraz wnętrza grudniowego numeru z 1985 roku franckiego wydania Vogue. W tych wszystkich przypadkach punkt ciężkości pozostawał niezmienny: na tym, jak kadrowany jest podmiot oraz w jaki sposób kolor wchodzi w intymną interakcję ze wzrokiem widza.

Dziedzictwo i światowa sława

Ciężar wieloletniej, niezwykle płodnej kariery często znajduje swoje odzwierciedlenie w prestiżowych wyróżnieniach przyznawanych przez najważniejsze instytucje. W 2000 roku został uhonorowany nagrodą Praemium Imperiale w dziedzinie malarstwa, a w 2003 roku został wybrany członkiem Royal Society. Te prestiżowe laury nadeszły wraz z jego nieustanną obecnością w przestrzeni publicznej, gdy artysta ewoluował od wczesnych lat ruchu Pop Art, aż po pozycję jednego z najbardziej wpływowych brytyjskich twórców XX i XXI wieku.

Jego wyjątkowe miejsce w krajobrazie kulturowym zostało dodatkowo przypieczętowane w 2018 roku, kiedy to otrzymał Order Companion of Honour. To uznanie stanowi zwieńczenie dekad pracy, która prowadziła od surowego realizmu Yorkshire, przez oślepiające światło Kalifornii, aż po nowoczesny, cyfrowy wymiar rysunków na iPadzie. Wpływ, jaki wywarł David Hockney, wykracza poza mury galerii sztuki; odczuwalny jest on w samej zmianie sposobu, w jaki postrzegamy przestrzeń i perspektywę, co artysta nieustannie redefiniował za pomocą swoich różnorodnych mediów.

• A bigger splash (1967)
• American Collectors (Fred and Marcia Weisman) (1968)
• Portrait of an artist pool with two figures (1971)
• A bigger grand canyon (1998)

Gdzie dziś można podziwiać jego dzieła

Aby osobiście obcować z twórczością, którą pozostawił po sobie David Hockney, warto udać się do galerii 1853 w Salts Mill w Saltaire. To wyjątkowe miejsce skrywa wiele jego prac, zachowując żywą więź z industrialnym krajobrazem jego młodości. Równie istotną rolę odgrywa David Hockney Foundation, które opiekuje się liczną grupą jego dzieł, dbając o to, by owo bogate dziedzictwo artystyczne było dostępne do studiów oraz kontemplacji dla przyszłych pokoleń.

Jego malarstwo i rysunek są rozproszone w najważniejszych instytucjach na wielu kontynentach. W Wielkiej Brytanii jego ślady odnajdziemy w kolekcjach Tate. Po drugiej stronie Atlantyku artystyczna obecność Hockneya jest wyraźnie odczuwalna w Metropolitan Museum of Art oraz w Museum of Modern Art. Te prestiżowe zbiory obejmują różne etapy jego fascynującej drogi twórczej – od wczesnych prac figuralnych, po późniejsze, pełne blasku eksploracje światła i koloru.

• A bigger splash
• American Collectors (Fred and Marcia Weisman)
• Portrait of an artist pool with two figures
• A bigger grand canyon
• Place furstenberg, paris