Composition Håndmalt med olje, kun for dine vegger

Tidlig liv, familie og utdanning

Hryhorii Havrylenko trådte inn i verden den 7. juli 1927 i landsbyen Kholopkove, nær Hlukhiv i Sumy-regionen. Han ble født inn i en velstående bondefamilie, et hjem med fem barn som en gang kjente det relative livet i stabilitet på landsbygden. Men de politiske omveltningenes vinder nådde deres dørstokk allerede i 1930, da familien ble utsatt for dekulakisering. Denne harde skjebnen tvang dem på flukt til Georgia, en periode med fordrivelse som skulle prege de tidlige årene av hans liv, før familien til slutt slo seg ned i Hlukhiv igjen.

Hans formelle vei mot kunsten begynte for alvor etter ungdomstidens turbulens. Fra 1945 til 1949 søkte han opplæring ved Taras Shevchenko Kyiv statlige kunstskole. Denne grunnleggende opplæringen ga det tekniske fundamentet som var nødvendig for det komplekse visuelle språket han senere skulle utvikle. I søken etter å fordype sin mestring, fortsatte han ved Kyiv kunstinstitutt, hvor han studerte fra 1949 til 1955. I disse årene delte han sitt fokus mellom maleri- og grafikkavdelingene, en dobbel utdanning som gjorde det mulig for ham å utforske både det ekspansive i friluftsmaleriet og presisjonen i grafisk design.

Kunstnerisk stil og allsidige teknikker

Hryhorii Havrylenko beveget seg gjennom kunstverdenen med en rastløs nysgjerrighet, og nektet å la seg begrense av ett enkelt medium eller ett bestemt motiv. Han var en fremtredende skikkelse i den ukrainske avantgarde-bevegelsen på 1960-tallet, en tid da uttrykkets grenser ble presset og redefinert. Hans hånd var like hjemme i bokgrafikkens stille intimitet som i det ekspansive landskapet i et staffelimaleri. Han søkte å fange essensen av landskap og karakteren i portretter gjennom et bredt spekter av verktøy, og eksperimenterte ofte med hvordan lys og skygge samspilte på ulike overflater.

Hans tekniske rekkevidde var enorm og vitnet om en dyp forståelse for hvordan ulike materialer kunne endre en stemning. Han arbeidet med tempera og olje på papp, hvor han ofte la lag på lag med farger for å oppnå en helt spesifikk dybde, og han besatt like stor ferdighet med akvarellens delikate berøring og pastellens mykhet. Når han vendte seg mot tusjtegninger, besafor linjene hans en presisjon som sto i skarp kontrast til den mer flytende og eksperimentelle naturen i maleriene hans. Denne perioden av livet hans var preget av en dristig eksperimentering med farger og former, en uvilje mot å nøye seg med det enkle eller det forventede.

Etter hvert som årene gikk, skiftet fokuset hans mot grafisk kunst, og spesielt mot den intrikate og krevende teknikken fargelinosnitt. Denne spesialiseringen gjorde det mulig for ham å utforske tekstur og dristige, grafiske former på en måte som hans tidligere, mer maleriske verk bare hadde antydet. Hans evne til å gå fra pastellens myke teksturer til de skarpe, bevisste markeringene i et linosnitt, avslører en kunstner som konstant søkte nye måter å oversette sin visjon på, enten det var på papiret eller på lerretet.

• Blue house (1950)
• Self Portrait (1950)
• Composition (1958)
• Nika (1960)
• Autumn (1964)
• Landscape (1983)

Fremragende verk og kunstneriske bidrag

Kunstnerens hånd beveget seg med en bemerkelsesverdig letthet mellom lerretets enorme vidde og den intime skalaen til den trykte siden. Gjennom hele sin karriere viet han mye av sin kreative energi til bokens verden, hvor han leverte illustrasjoner til over tretti ulike bind. Dette arbeidet krevde en varsom berøring, da han søkte å oversette litterær ånd til visuelle former. I 1965 rettet han oppmerksomheten mot Dantes Vita Nova, hvor han skapte grafikk som søkte å fange tekstens innerste vesen. Han pustet også visuelt liv i karakterene i Panas Myrnis roman Chipka, noe som demonstrerte hans evne til å bebo andres historier gjennom sine linjer og farger.

Hans malerier på staffeli avdekket ofte en annen, kanskje mer personlig side av hans visjon. I 1964 fremstilte han The Image of the Girl, et verk som forblir en betydelig del av hans visuelle historie. Dette ble etterfulgt i 1965 av Summer Triptych, en serie som lot ham utforske de skiftende stemningene i lys og årstid. Disse verkene viser en mann som er dypt engasjert i sine motivs nyanser, enten det var kvinneansikter eller den skiftende atmosfæren i et landskap.

• The Image of the Girl (1964)
• Summer Triptych (1965)
• Illustrasjoner til Vita Nova (1965)

Utstillinger og profesjonelt liv

Den profesjonelle reisen til Hryhorii Havrylenko var preget av både betydelig offentlig anerkjennelse og de plutselige avbruddene som var vanlige i denne epoken. Fra 1955 og utover vokste hans tilstedeværelse i kunstverdenen gjennom jevn deltakelse i både republikanske og all-unionlige utstillinger. Hans rekkevidde strakte seg langt utover Sovjetunionens grenser da han stilte ut sine verk i Leipzig i 1965. Disse opptredenene gjorde det mulig for hans unike visjon å møte et bredere publikum, noe som etablerte ham som en skikkelse av stor betydning innen den ukrainske kunstscenen.

Hans forhold til de formelle institusjonene var komplekst. På begynnelsen av 1960-tallet søkte han å formidle sin kunnskap gjennom undervisning ved Kyiv Kunstinstitutt. Denne perioden med pedagogisk virksomhet ble imidlertid avbrutt da han ble avskjediget av ideologiske årsaker. Til tross for slike profesjonelle tilbakeslag forble hans kreative drivkraft urokkelig. Han sikret seg til slutt muligheten til å holde separatutstillinger i Kyiv, med betydelige utstillinger i 1974 og 1980. Disse utstillingene ga publikum et rom for å engasjere seg i hans stadig utviklende mesterskap innen farge og form.

De siste årene, død og et varig ettermæle

De siste årene av Hryhorii Havrylenko sitt liv ble tilbrakt i Kyiv, hvor han ble værende frem til han gikk bort den 23. februar 1984. Hans bortgang etterlot et tomrom i den ukrainske kunstscenen, men energien han la ned i sine eksperimenter med farge og form forble nesten følbar. Gjennom flere tiår navigerte han i sin epokes kompleksitet, i en reise som spente fra den akademiske strengheten i hans tidlige utdanning til det dristige og ekspressive språket i avantgarden. Selv i de senere år, da hans fokus skiftet mot den intrikate presisjonen i fargesnitt, fortsatte ånden fra hans tidligere, mer flytende verk å resonnere gjennom atelierene til hans samtidige.

Hans innflytelse lever videre gjennom hendene til påfølgende ukrainske kunstnere, som fant inspirasjon i hans urokkelige vilje til å avvise rigide konvensjoner. Ved å tøye grensene for hva ukrainsk kunst kunne uttrykke, var han med på å forme de kulturelle narrativene i sin tid. Hans liv står igjen som et dyptgående eksempel på hvordan en kunstner kan bruke abstraksjon og grafisk presisjon for å finne en unik stemme midt i skiftende politiske og sosiale landskap. Ekkoet av hans visjon kan fremdeles merkes i måten moderne skapere tilnærmer seg forholdet mellom form og emosjon.

• Tribute to the death of Mykola Bazhan (1983)
• Landscape (ca. 1983)
• Orans (ca. 1982)