To Two Women

Livet til Egon Schiele

Tulln i Nedre Østerrike danner scenen for begynnelsen av Egon Schieles liv. Han ble født den 12. juni 1890, og trådte inn i en verden definert av de rigide strukturene i det østerriksk-ungarske imperiet. Hans far, Adolf Schiele, fungerte som stasjonsmester for de østerrikske forbundsbaneene, mens hans mor, Marie, er kjent ved sitt fødselsnavn Soukup. Innenfor familien vokste Egon opp sammen med sine tre søstre: Elvira, Melanie og Gertrude.

Stabiliteten i dette hjemlige livet brister tidlig. Sykdommens skygge beveger seg gjennom husholdningen og etterlater et permanent merke i den unge kunstnerens psyke. Disse personlige omveltningene forsvinner ikke bare; de setter seg i selve marg og bein i hans fremtidige virke. Han beveger seg gjennom verden med en sensitivitet for dødelighet som til slutt vil definere hans plass i den østerrikske ekspresjonismen. Hans eksistens blir en kamp for å oversette indre spenninger til lerretets overflate.

Hans vei fører ham mot sentrum av et europeisk landskap i endring. Han navigerer i spenningsfeltet mellom tradisjonelle akademiske forventninger og et spirende behov for rå, psykologisk sannhet. Livet til Egon Schiele er en rekke intense, ofte ubehagelige konfrontasjoner med menneskets eksistensvilkår. Han søker ikke å avbilde verden slik den fremstår for øyet, men slik den vibrerer i nervesystemet.

Tidlig liv, familie og utdanning

Stabiliteten i Schieles ungdom går i oppløsning i 1904. Hans far, Adolf Schiele, som var stasjonsmester, bukker under for syfilis. Denne sykdommen, som ble pådratt under en bryllupsreise i Trieste, etterlater familien i fattigdom og preger den unge kunstnerens psyke med skyggen av farens mentale forvirring og raseri. Egon vokser opp sammen med sine tre søstre, Elvira, Melanie og Gertrude, under vergemålet til sin onkel, Leopold Czihaczek. Selv i disse turbulente årene vedvarer en fascinasjon for tog, et motiv som senere vil dukke opp i hans kunstneriske virke.

Den formelle opplæringen begynner under veiledning av læreren Ludwig Karl Strauch. Innen 1906 flytter Schiele til Wien for å studere ved Kunstakademiet (Akademie der bildenden Künste). Atmosfæren er rigid. Han befinner seg i økende konflikt med den ultraconservative undervisningen til professor Christian Griepenkerl. Friksjonen blir til slutt uutholdelig. Etter tre år med navigering i disse strenge akademiske tradisjonene, forlater Schiele akademiet fullstendig for å bane vei for sin egen, uavhengige kurs.

Et vendepunkt inntreffer når han møter Gustav Klimt. Den etablerte kunstneren blir en mentor som skaffer den unge maleren modeller og introduserer ham for kretsene rundt Wien-secesjonen. Denne forbindelsen markerer overgangen fra en student som kjemper mot tradisjonen, til en sentral skikkelse i den fremvoksende avantgarden.

Den kunstneriske utviklingen i Wien

Wien blir selve episenteret for Schieles kreative friksjon. Han beveger seg gjennom byens kunstneriske kretser og møter til slutt Gustav Klimt, et møte som markerer et avgjørende vendepunkt i hans livsløp. Selv om han tar til seg impulser fra sin mentor, velger ikke Schiele å bare gjenskape Secessionens dekorative mønstre. I stedet begynner han å skrelle bort ornamentikken for å søke en mer visceral og rå sannhet. Innen 1909 utfordrer han aktivt den etablerte ordenen ved å være med på å grunnlegge både Neues Wiener Kunstgruppe og Neukunstgruppe, bevegelser som signaliserer hans definitive brudd med tradisjonen.

Hans tilstedeværelse i byen er preget av en rastløs vandring mellom urbane sentre og roligere utkantstrøk. Han arbeider på tvers av Wien, Krems, Klosterneuburg, Neulengbach og Praha, en geografisk spredning som speiler en psykologisk ekspansjon. Kunsten hans beveger seg bort fra de formelle begrensningene i den tidlige utdanningen og mot en ubeskyttet, rå utforskning av menneskets eksistens. Tidens iboende spenning er tydelig til stede i hans stadig mer utviklede skisser og komposisjoner.

• Portrait of Leopold Czihaczek, 1907
• Portrait of the Art Critic, Arthur Roessler, 1910
• Composition with Three Male Nudes, 1910

Teknikk og ekspresjonistisk stil

Linjen er selve drivkraften i Egon Schieles visjon. Den fungerer ikke bare som en kontur som avgrenser en form; den vibrerer av en nervøs og rastløs energi. Gjennom bruken av ekspressive linjer kartlegger han psykologisk spenning, noe som ofte resulterer i forvridde positurer og vridde kroppsformer. Figurene fremstår som langstrakte, med lemmer strukket langt utover naturlige proporsjoner for å formidle en dyp følelse av ubehag. Dette er ikke en søken etter anatomisk perfeksjon, men snarere et forsøk på å blottlegge subjektets indre tilstand. Hudtonene fremstår ofte utmagrede eller sykelig, noe som understreker en følelse av skjørhet og fysisk sårbarhet.

Hans tekniske tilnærming varierer med mediet, men intensiteten forblir konstant. I akvarellene sine benytter han løse fargeflater for å skape dybde og stemning, og han lar ofte store deler av papiret stå bart for å forsterke følelsen av isolasjon. Når han arbeider med olje på lerret, bærer penselstrøkene med seg den samme hakkete og presserende energien som man finner i tegningene hans. Utover det todimensjonale planet utforsket han også form gjennom skulptur, hvor han arbeidet med leire og gips for å fange tyngden av det menneskelige nærvær.

• Self-Portrait with Black Vase and Spread Fingers
• Death and the Maiden
• The Family

Viktige verk og tematikk

Lerrete forvandles til en arena for psykologisk utgraving. Gjennom et blikk preget av urokkelig ærlighet konfronterer Schiele den tunge tilstedeværelsen av død, seksualitet, angst og isolasjon. I 1915 fremstiller han Døden og jomfruen, et verk der dødelighetens nærvær flettes sammen med eros. Figurene eksisterer i en tilstand av spenning som reflekterer de indre kampene som definerer hans visjon. Han vender ofte tilbake til den menneskelige form for å kartlegge disse usynlige tilstandene, og bruker kroppen som et kar for eksistensens kompleksitet.

Selvportrettet fungerer som en vedvarende metode for introspeksjon. Han søker ikke å presentere et polert bilde, men snarere et sårbart et, der han ofte fremstår i forvridde eller avmagrede tilstander. I Selvportrett med Physalis benytter han planten Physalis som et tilbakevendende motiv. Planten, med sitt delikate og papiraktige skall, symboliserer forgjengelighet og livets skjørhet. Dette botaniske elementet forankrer hans besettelse av forfall og den flyktige naturen i det menneskelige vilkår.

Hans intime forbindelser finner også veien inn i komposisjonene. I 1915 maler han Portrett av Edith Schiele, hvor han fanger sin kone på en måte som reflekterer hans helt særegne ekspressive språk. Motivene hans er sjelden statiske; de pulserer med en nervøs energi som speiler de skiftende sosiale og psykologiske landskapene i samtiden. Følgende verk representerer betydelige punkter i hans utforskning av disse temaene:

• Døden og jomfruen (1915)
• Selvportrett med Physalis
• Portrett av Edith Schiele (1915)

De siste årene og døden

Landskapet i Schieles liv endrer seg i takt med at første verdenskrig nærmer seg. Han gifter seg med Edith Harms, en forening som markerer en betydelig personlig overgang. Likevel blir ekteskapets stabilitet raskt avbrutt av krigens krav. Han blir utskrevet til militærtjeneste, en periode som plasserer ham midt i kaoset som krigen fører med seg.

Slutten kommer med en plutselig, biologisk voldsomhet. I 1918 feier spanskesyken gjennom Wien, og viruset krever Schieles liv i en alder av bare 28 år. Han dør den 31. oktober 1918. Hans bortgang skjer kort tid etter hans kone, Edith, som bukket under for den samme sykdommen. Kunstnerens liv avsluttes brått, og etterlater seg et livsverk som fanger spenningen i en verden i sammenbrudd.

Arv og kunstnerisk innflytelse

Egon Schiele trer frem fra det tidlige 20. århundre som en ledende skikkelse innen østerriksk ekspresjonisme. Hans brudd med Secession-bevegelsens dekorative gull til fordel for en mer visceral og psykologisk utforskning av menneskekroppen, endret banen for figurativt maleri fundamentalt. Han skrellet bort overflaten for å kartlegge nervesystemet, og brukte hakkete, rastløse linjer for å fange skjelvingene av angst og begjær. Dette fokuset på det indre landskapet, snarere enn idealisert skjønnhet, etablerte ham som en av epokens mest betydningsfulle figurative malere.

Virkningen av hans arbeid strekker seg langt utover Wiens grenser. Etterfølgende generasjoner av kunstnere har funnet et forbilde i hans radikale ærlighet, særlig de som tiltrekkes av de mørkere og mer komplekse lagene i menneskesinnet. Hans evne til å oversette personlige traumer og eksistensiell spenning til et universelt visuelt språk, sikrer hans vedvarende tilstedeværelse i den moderne kunstens diskurs. I dag er hans malerier bevart i store museumsamlinger verden over, som essensielle vitnesbyrd om de psykologiske skiftene i hans samtid.

• Self-Portrait with Physalis
• Couple Embracing
• Field Landscape (Kreuzberg near Krumau)
• Death and the Maiden

Hvor du kan se verkene i dag

Tyngden av Schieles kunstneriske virke føles aller sterkest i Wien. Leopold Museum huser en enorm konsentrasjon av hans verker, og bevarer den rå energien som finnes i hans skisser og malerier. Like i nærheten finner man Österreichische Galerie Belvedere, som rommer betydelige lerreter, inkludert det gripende Death and the Maiden (1915). Byens institusjonelle landskap fortsetter å vokte hans arv gjennom Kunsthistorisches Museum og Albertina, som begge inneholder essensielle deler av hans livsverk.

Utenfor den østerrikske hovedstaden tilbyr Egon Schiele Art Centrum i Český Krumlov i Tsjekkia et dedikert rom for hans kunst. Dette museet sporer hans utvikling gjennom en permanent samling som inkluderer både akvareller og tusjtegninger. I disse omgivelsene kan besøkende møte den helt spesielle intensiteten i hans linjeføring, i en utstilling som fokuserer på utviklingen av hans ekspressive stil.

• Death and the Maiden (1915)
• Self-Portrait with Physalis
• Couple Embracing
• The Family