Un dialogo con la Terra: il linguaggio scultoreo di Juliana Góngora Rojas
Juliana Góngora Rojas, nata a Bogotá, Colombia, nel 1988, è un'artista il cui lavoro emerge da un dialogo profondamente intimo con il mondo naturale. Le sue sculture non sono semplici oggetti, ma piuttosto incarnazioni di relazioni: tra storia e memoria, corpo e terra, fragilità e resilienza. Il percorso artistico di Rojas è iniziato con una fascinazione per la materia stessa, andando oltre le forme scultoree tradizionali per esplorale qualità intrinseche e il peso simbolico di sostanze organiche come la terra, il sale, le ragnatele e, in modo ancora più significativo, il latte. Non si tratta semplicemente di utilizzare questi materiali; si tratta di ascoltarli, comprenderne i processi di decadimento e trasformazione, permettendo a quei ritmi di dettare la forma della sua arte. Attualmente divide il suo tempo tra la pratica artistica e l'insegnamento della scultura presso l'Università Jorge Tadeo Lozano a Bogotá, una posizione che sottolinea il suo impegno nel coltivare una nuova generazione di artisti sintonizzati con le sottili energie del proprio ambiente.
Influenze primordiali e sviluppo artistico
Gli anni formativi di Rojas sono stati immersi nel ricco arazzo culturale della Colombia, una nazione segnata sia da una biodiversità mozzafiato che da complesse storie socio-politiche. I suoi primi studi presso l'Università Nazionale della Colombia hanno fornito una comprensione fondamentale delle tecniche scultoree, ma è stata la sua successiva esplorazione della conoscenza ancestrale — in particolare attraverso collaborazioni con artigiani e comunità indigene — a plasmare veramente la sua visione artistica. Ha iniziato a mettere in discussione le nozioni convenzionali di permanenza nell'arte, riconoscendo che molti materiali tradizionali possiedono un'inerente impermanenza, specchio della natura ciclica della vita stessa. Ciò l'ha portata ad abbracciare deliberatamente processi come la fermentazione, l'essiccazione e la tessitura, tecniche spesso associate al lavoro domestico e tramandate attraverso generazioni di donne. L'opera dell'artista è profondamente radicata nella sua storia familiare, in particolare nelle storie e nelle pratiche della sua stirpe materna. Cuerpo de Leche (Corpo di Latte), forse la sua serie più iconica, esemplifica questo legame: un processo meticoloso che trasforma il latte in filato, per poi intrecciarlo in tessuti che evocano sia sudari ancestrali che la delicata fragilità della memoria. La natura laboriosa di queste opere non è puramente estetica; è un atto consapevole di rivendicazione del tempo e di onore al lavoro spesso invisibile delle donne che hanno storicamente plasmato la cultura colombiana.
Temi di corpo, natura e trasformazione
Al cuore della pratica di Góngora Rojas risiede un'esplorazione dell'interconnessione tra il corpo umano e il mondo naturale. Le sue sculture fanno spesso riferimento a forme corporee — uteri, sudari, strutture scheletriche — ma queste non sono mai rappresentazioni letterali. Al contrario, fungono da metafore per la vulnerabilità, la trasformazione e i processi ciclici di vita e morte. L'uso di materiali organici rafforza ulteriormente questo legame; il latte, ad esempio, è inestricabilmente legato al nutrimento, alla maternità e agli inizi stessi della vita. La terra, il sale e altri elementi naturali rappresentano l'appartenenza, la resilienza e il potere duraturo del suolo. La sua opera sfida spesso le gerarchie tradizionali tra arte e artigianato, sfumando i confini tra scultura, arte tessile e pratica rituale. L'impegno dell'artista con materiali come le ragnatele — spesso trascurate per la loro natura delicata — mette in luce la bellezza e la complessità che si trovano in forme apparentemente effimere. Queste trame diventano simboli di interconnessione, fragilità e delle intricate reti che sostengono la vita.
Riconoscimento internazionale e grandi traguardi
Il lavoro di Góngora Rojas ha ottenuto un crescente riconoscimento internazionale negli ultimi anni, con mostre in istituzioni prestigiose come la Biennale di Sydney, il KADIST di San Francisco e l'Art Institute di Chicago. La sua partecipazione alla Biennale di Sydney del 2021, che presentava la sua serie Cuerpo de Leche, ha portato la sua opera a un pubblico più vasto, stimolando discussioni critiche sulla materialità, la memoria e l'identità culturale. La mostra all'Art Institute di Chicago, “En el principio / In the beginning”, ha segnato la sua prima grande mostra personale negli Stati Uniti, consolidando ulteriormente la sua posizione di artista contemporanea di primo piano. Questo progetto, creato in collaborazione con Matías Quintero Sepúl'veda e Juven e Yinela Piranga Valencia della comunità indigena Ko’revaju, ha dimostrato il suo impegno verso una pratica collaborativa e il suo profondo rispetto per la conoscenza ancestrale. Oltre alle esposizioni in galleria, Góngora Rojas ha ottenuto riconoscimento anche per la sua partecipazione alla serie televisiva colombiana La ley del corazón (Il decreto del cuore), dove ha operato come artista, colmando ulteriormente il divario tra arte e vita quotidiana.
Significato storico e direzioni future
L'opera di Juliana Góngora Rojas rappresenta un contributo significativo alla scultura contemporanea, sfidando le nozioni convenzionali di forma, materialità e rappresentazione culturale. Il suo abbraccio dei materiali organici e della pratica collaborativa riflette un crescente interesse per la coscienza ecologica e i sistemi di conoscenza indigeni nel mondo dell'arte. Ella fa parte di una generazione di artisti che stanno attivamente smantellando le gerarchie coloniali, rivendicando le pratiche ancestrali e tracciando nuovi percorsi per l'espressione artistica. Le sue sculture non sono semplici oggetti da ammirare, ma piuttosto inviti a interagire con le sottili energie del mondo naturale, ad ascoltare le storie racchiuse nei materiali e a riconoscere la nostra interconnessione con tutti gli esseri viventi. Mentre continua a esplorare questi temi nelle sue opere future, Góngora Rojas promette di rimanere una voce vitale nell'arte contemporanea, offrendo una visione potente di guarigione, resilienza e del potere duraturo della connessione.
