Josep Guinovart

La poetica tattile di Josep Guinovart

Nel vibrante arazzo del modernismo catalano, pochi fili sono così materici o profondamente sentiti come quelli tessuti da Josep Guinovart i Bertran. Nato a Barcellona nel 1927, Guinovart non si limitava a dipingere; egli scolpiva il significato attraverso la materia. Il suo viaggio ebbe inizio lontano dall'aria rarefatta delle gallerie, radicato nelle arti pratiche e decorative. Nel 1 41, da giovane, entrò nel mondo della decorazione professionale, un periodo che gli instillò un profondo rispetto per le proprietà fisiche delle superfici e per il potere trasformativo dell'arrangiamento estetico. Questo primo apprendistato, seguito dagli studi formali presso l' Escuela de Artes y Oficios de la Llotja, fornì l'impalcatura tecnica su cui avrebbe successivamente costruito le sue radicali visioni astratte.

La traiettoria dell'anima di Guinovart fu irrevocabilmente alterata nel 1953, quando un prestigioso premio dell'Istituto Francese lo trasportò a Parigi. Questa immersione nel cuore del modernismo europeo agì come un catalizzatore spirituale. Tra gli echi di Matisse e Picasso, Guinovart scoprì il potenziale liberatorio del Cubismo, apprendendo come la frammentazione geometrica potesse decostruire la realtà per rivelare verità più profonde. I suoi viaggi attraverso Belgio, Olanda e Germania ampliarono ulteriormente il suo vocabolario visivo, permettendogli di assorbire una sensibilità paneuropea che si sarebbe infine fusa con le sue radici mediterranee per creare qualcosa di interamente singolare.

Dalla figurazione all'alchimia della materia

Al suo ritorno a Barcellona, l'identità artistica di Guinovart subì una profonda metamorfimento. Sebbene i suoi primi anni fossero stati segnati da ruoli come illustratore, scenografo e muralista — lavorando spesso all'interno dell'influente cerchio del Dau al Set — la fine degli anni '50 segnò un distacco dalla rappresentazione verso il viscerale. Già nel 1957, egli aveva iniziato ad abbracciare i principi dell' Espressionismo Astratto e dell' Informalismo, rifiutando i vincoli dell'immagine riconoscibile a favore di un linguaggio più primordiale e spontaneo. Divenne un alchimista della tela, andando oltre il semplice pigmento per incorporare la terra stessa.

La sua opera in questo periodo è caratterizzata da un'incredibile profondità tattile. Guinovart cercava di colmare il divario tra la mano dell'artista e il mondo naturale, utilizzando una gamma straordinariamente diversificata di materiali organici e di recupero. Toccare una tela di Guinovart significa incontrare un paesaggio di memoria e sostanza; egli integrò celebremente:

• Gusci d'uovo che frammentano la luce come porcellana delicata;
• Fango e paglia che radicano l'opera nell'essenza agricola della campagna catalana;
• Legno bruciato e oggetti di scarto che introducono un senso di decadimento, rinascita e passaggio del tempo;
• Oggetti tridimensionali e assemblaggi che spingono i confini del piano bidimensionale.

Questa sperimentazione con l'assemblage e il collage gli permise di creare opere su larga scala che fungevano tanto da ambienti fisici quanto da dipinti. La sua arte divenne un dialogo tra l'organico e il costruito, un modo per esprimere le tensioni sociali e politiche della sua epoca attraverso il linguaggio crudo e immediato della texture.

Un'eredità scritta nella trama e nel simbolo

Oltre alla maestria tecnica dei suoi materiali, la significatività di Guinovart risiede nella sua capacità di infondere l'astrazione con un profondo senso di poetica soggettiva. Negli anni '60, il suo lavoro assunse un tono ancora più espressivo e spesso politico, utilizzando la rugosità delle sue superfici per rispecchiare le lotte sociali e il peso della storia. Fu un membro fondatore del gruppo Taüll, ponendosi al fianco di luminari come Antoni Tàpies, eppure mantenne una voce unicamente sua — capace di bilanciare la scala cosmica dell'astrazione con un legame intimo con la terra e il quotidiano.

Oggi, l'eredità di Josep Guinovart i Bertran risiede non solo nelle prestigiose sale della Reina Sofía o del Guggenheim, ma nel potere duraturo dei suoi paesaggi sensoriali. Ci ha insegnato che l'arte non è semplicemente qualcosa da vedere, ma qualcosa da sentire — un incontro viscerale con i materiali della vita stessa. La sua opera rimane una testimonianza dell'idea che la creatività si trovi nell'intersezione tra esperienza personale, rigorosa formazione e un'incessante curiosità verso il mondo che ci circonda.