Artista
Nato a Rodez, Francia
Pierre Soulages: Una Vita tra Nero e Luce
Pierre Soulages (Rodez, 24 dicembre 1919 – Nîmes, 25 ottobre 2022) è stato un pittore francese astratto celebre come “il pittore del nero”. Associato all'arte astratta dalla fine degli anni Quaranta, e per un certo periodo associato all’action painting e all’astrazione lirica, ha lavorato al di fuori di qualsiasi gruppo e il suo lavoro sfugge a qualsiasi posizionamento teorico collettivo. È noto soprattutto per l’uso dei riflessi del colore nero, che chiama “luce nera” o “outrenoir”, ma può comunque essere considerato uno degli artisti più importanti del XX secolo.
Primi Anni e Istruzione
Nato a Rodez, Aveyron, in Francia nel 1919, il percorso artistico di Soulages è iniziato con esplorazioni nei musei di Parigi prima della Seconda Guerra Mondiale. Cercava la sua vocazione tra i capolavori del passato. Vedendo opere di Pablo Picasso e Paul Cézanne, visitò il Louvre e fu affascinato dalle immagini rupestri preistoriche e dalle chiese romanesque.
Dopo aver prestato servizio militare durante la guerra, ha stabilito uno studio a Parigi e ha esposto per la prima volta il suo lavoro al Salon des Indépendants nel 1947. Ha anche lavorato brevemente come scenografo teatrale.
Sviluppo Artistico & Stile ‘Outrenoir’
Lo sviluppo artistico di Soulages è stato segnato da una ricerca incessante per esprimere la luce attraverso il mezzo del nero. Non era interessato al nero per le sue connotazioni cupe, ma piuttosto per la sua capacità di riflettere e assorbire la luce, creando un gioco di ombre e illuminazione. Ciò ha portato allo sviluppo del suo stile caratteristico, che ha chiamato ‘Outrenoir’ – letteralmente “oltre il nero”.
Spiegava che Outrenoir non è semplicemente il colore nero; rappresenta un regno diverso, simile a dire "oltre il Canale" per l'Inghilterra o "oltre il Reno" per la Germania. Significa uno spazio oltre la comprensione convenzionale del colore stesso.
Tecnica e Materiali
La tecnica di Soulages prevedeva l’applicazione di vernice in strati spessi, spesso manipolando il materiale con strumenti come cucchiai, rastrelli e implementi in gomma per creare superfici testurizzate. Queste texture erano cruciali per catturare e riflettere la luce. Ha impiegato movimenti di raschiatura, scavamento ed incisione per ottenere effetti lisci o ruvidi, interrompendo l’uniformità della superficie nera.
Soulages credeva che il nero fosse un elemento fondamentale per esprimere emozioni profonde e creare opere d'arte significative. Egli utilizzava spesso materiali semplici come legno e carta, creando composizioni austere ma ricche di significato simbolico.
Major Achievements & Recognition
1979: È stato eletto membro corrispondente dell’Accademia Americana delle Arti e delle Scienze
1987-1994: Ha creato 104 splendidi vetrate per l'Abbazia Benedettina di Sainte-Foy a Conques, Francia – un progetto monumentale che testimonia la sua maestria artistica e il suo impegno nella conservazione del patrimonio culturale.
2001: È stato invitato ad esporre al Museo Hermitage di San Pietroburgo e alla Galleria Tretyakov di Mosca, dove le sue opere hanno suscitato un ampio consenso critico internazionale.
2007: Il Musée Fabre di Montpellier ha dedicato una sezione completa alla sua arte, presentando una significativa collezione donata dall'artista stesso.
2014: È stato insignito del Premio Imperiale, uno dei più prestigiosi riconoscimenti artistici europei.
Soulages è considerato un vero punto di riferimento per l’arte contemporanea e una figura imprescindibile nella storia dell'astrattismo francese.
Museo
In mostra presso Londra, Regno Unito
La Storia e le Origini della Tate Modern
La presenza della Tate Modern a Londra, nel Regno Unito, affonda le sue radici nella storia industriale dello skyline di Southwark. Il sito era originariamente occupato dalla Bankside Power Station, una struttura che ha operato per tre decenni prima del suo definitivo smantellamento. I mutamenti economici, in particolare l'impennata dei prezzi del petrolio, portarono alla chiusura della centrale il 31 ottobre 1981. Per anni, l'imponente edificio è rimasto inutilizzato, un frammento silenzioso del paesaggio urbano in attesa di una nuova missione.
La metamorfosi di questo spazio industriale in un fulcro per l'arte moderna e contemporanea ebbe inizio concretamente negli anni '90. Dopo l'annuncio dei piani per l'apertura di una nuova galleria nel 1992, il sito fu sottoposto a una profonda riconversione. La Tate Modern ha aperto ufficialmente le sue porte al pubblico l'11 maggio 2000. Questa transizione ha trasformato un luogo di produzione in uno spazio dedicato all'evoluzione dell'espressione artistica dal XX secolo in poi.
L'Architettura della Ex Centrale Elettrica
La metamorfosi della Bankside Power Station in uno spazio dedicato all'arte ha richiesto un equilibrio delicatissimo tra memoria industriale e funzionalità contemporanea. Progettata da Herzog & de Meuron, la struttura mantiene un dialogo costante con il proprio passato attraverso un contrasto drammatico tra il cemento brutalista e la brillantezza del vetro. Gli architetti hanno affrontato questa trasformazione con estrema sensibilità, dando vita a uno spazio pubblico moderno senza mai sminuire la maestosa presenza storica dell'edificio. Questo approccio permette alla massiccia muratura di coesistere con interventi contemporanei, come il fascio di luce che corona il tetto, che offre un contrappunto orizzontale alla verticalità della ciminiera.
La silhouette dell'edificio è definita da specifici richiami architettonici alla sua funzione originaria. Il tetto a dente di sega è un omaggio deliberato al design originale, preservando la geometria funzionale della centrale elettrica. Dall'altra parte del Tamigi, la ciminiera della stazione si erge come un contrappunto alla cupola della Cattedrale di St. Paul. Questo legame tra lo skyline industriale e la città storica genera una tensione visiva unica. La struttura non tenta di celare le proprie origini; al contrario, utilizza le forme esistenti per incorniciare l'esperienza dell'arte che vive al suo interno.
La Turbine Hall e la Boiler House
La Turbine Hall rimane un potente richiamo all'eredità manifatturiera di Londra. Questo spazio cavernoso, che un tempo rappresentava il cuore industriale della centrale elettrica, funge oggi da palcoscenico dinamico per installazioni immersive. La scala monumentale della sala permette la presenza di opere imponenti che occupano il vuoto, sfidando la percezione dello spettatore attraverso una pura e schiacciante presenza fisica. È un luogo dove il volume stesso dell'architettura detta l'impatto dell'arte custodita tra le sue mura.
In netto contrasto con l'immensità della sala, la Boiler House offre un'esperienza profondamente diversa. Dopo aver ospitato originariamente le caldaie della centrale, quest'area accoglie oggi esposizioni più intime. Il passaggio dalla scala massiccia e aperta della Turbine Hall agli ambienti più contenuti della Boiler House permette un mutamento nel modo in cui l'arte viene vissuta: se da un lato la sala impone una risposta alla vastità, dall'altro la Boiler House invita a un'osservazione più ravvicinata e silenziosa delle opere esposte.
La Collezione Internazionale d'Arte Moderna e Contemporanea
Il museo custodisce la collezione nazionale del Regno Unito dedicata all'arte moderna e contemporanea internazionale, con un focus privilegiato sulle opere create a partire dal 1900. Questa straordinaria assemblea mette in risalto pezzi che incarnano l'innovazione, la sperimentazione e il commento sociale. L'orizzonte della collezione si estende ben oltre la pittura e la scultura tradizionale, abbracciando la fotografia, il cinema, la performance art e i media digitali. Una tale diversità permette un esame profondo e vasto di come l'espressione artistica si sia trasformata e sia evoluta nel corso dei decenni.
Movimenti come l'Arte Astratta, il Costruttivismo e il Modernismo australiano trovano la loro naturale collocazione tra queste mura. La collezione comprende inoltre importanti tesori dell'arte del secondo dopoguerra e diverse forme di scultura. Riunendo queste opere, l'istituzione offre una visione panoramica delle evoluzioni stilistiche che hanno plasmato l'era moderna. La presenza di questi oggetti offre un incontro diretto con i mutamenti formali che hanno caratterizzato il XX e il XXI secolo.
Fountain, 1917 - Marcel Duchamp
Marilyn Diptych, 1962 - Andy Warhol
The Dancer, 1949 - Henri Matisse
Black on Maroon, 1959 - Mark Rothko
Capolavori della Collezione Permanente
La presenza di determinate opere tra queste mura trasforma radicalmente la percezione di ciò che l'arte possa essere. Les Demoiselles d'Avignon di Picasso rimane un punto di partenza fondamentale, segnando una svolta radicale nel modo in cui la forma e la prospettiva vengono comprese attraverso la lente del Cubismo. Poco distante, la quieta intensità dei Color Field Paintings di Rothko invita a un senso di contemplazione e spiritualità, mentre le tele di grandi dimensioni assorbono lo spettatore nella loro profondità cromatica. Queste opere non si limitano a occupare lo spazio; lo dominano con la loro essenza.
La collezione custodisce anche quegli oggetti che hanno sfidato la definizione stessa del mezzo artistico. La Fountain di Marcel Duchamp, del 1917, resta una presenza imprescindibile, mettendo in discussione i confini tra l'oggetto quotidiano e la fine art. Allo stesso modo, le Campbell’s Soup Cans di Warhol e il suo Marilyn Diptych del 1962 pongono lo spettatore di fronte all'intersezione tra produzione di massa e alta cultura. C'è un peso specifico in questi pezzi che esige un'attenzione assoluta.
The Dancer, 1949 - Henri Matisse
Lobster Telephone, 1938 - Salvador Dalí
Black on Maroon, 1959 - Mark Rothko
Mostre e Dialogo Artistico
La galleria mantiene un ritmo scandito da grandi retrospettive e mostre tematiche collettive che fluiscono attraverso i suoi spazi. Queste esposizioni invitano frequentemente al dibattito su questioni sociali e politiche, trasformando la galleria in un luogo di discorso attivo e vibrante. La programmazione recente si è concentrata sull'esplorazione dell'identità e sulle complessità legate al cambiamento climatico. Attraverso installazioni site-specific, l'istituzione si confronta direttamente con queste preoccupazioni contemporanee, assicurando che l'arte rimanga indissolubilmente legata al momento presente.
La Unilever Series porta opere di grandi dimensioni all'interno dell'interno cavernoso, alterando spesso la percezione dello spazio stesso. Una presenza memorabile è stata The Weather Project di Olafur Eliasson, che ha trasformato l'atmosfera della Turbine Hall. Tali installazioni permettono un incontro fisico con l'arte che trascende i confini tradizionali di una cornice o di un piedistallo.
Espansione e Progetti Futuri
L'evoluzione del sito prosegue attraverso continui progetti di espansione, concepiti per adattare l'edificio alle mutevoli esigenze del tempo. Un punto focale di questa trasformazione è la pianificata realizzazione della Southern Extension. Questo sviluppo mira a offrire ulteriori 5.000 m2 di nuovi spazi espositivi, aprendo la strada a un coinvolgimento ancora più profondo con la collezione. Il progetto, la cui stima iniziale ammontava a 215 milioni di sterline, rappresenta un passo decisivo verso una nuova dimensione museale.
L'architettura dell'espansione aspira a trasformare il museo in un vero e proprio crocevia culturale. Attraverso la creazione di un nuovo ingresso, il progetto intende integrare la struttura in modo più armonioso nel tessuto urbano circostante. Questi cambiamenti riflettono un impegno costante nel fornire spazi in continua evoluzione per gli artisti e per il pubblico, garantendo che l'istituzione rimanga un partecipante attivo e vibrante nel futuro dell'arte.
