Ridge Dipinto a mano con colori a olio, solo per le tue pareti

Carol Rhodes: Una cartografa dell'invisibile

Carol Rhodes (1959-2018) è emersa da una storia personale complessa e stratificata per diventare una figura singolarmente magnetica nella pittura di paesaggio contemporanea. Nata a Edimburgo, in Scozia, ma cresciuta principalmente in India fino all'adolescenza, la sua infanzia le ha impresso un profondo senso di sradicamento e un'acuta consapevolezza dei confini mutevoli tra paesaggi familiari ed estranei. Questa esperienza iniziale — una giustapposizione tra le vibranti e densamente popolate scene indiane e gli ambienti spogli, spesso desolati, della Gran Bretagna — ha plasmato profondamente la sua visione artistica, informando un approccio distintivo nel ritrarre gli spazi antropizzati che sarebbe diventato al contempo intensamente personale e sorprendentemente universale. Il suo percorso culminò in una rigorosa formazione presso la Glasgow School of Art (1977-82), dove affinò le sue capacità tecniche impegnandosi contemporaneamente nel sociale, contribuendo a movimenti per il disarmo, il femminismo e la giustizia sociale: esperienze che sono penetrate in modo sottile ma costante nella sua produzione artistica.

Il linguaggio delle terre di confine

L'opera più riconoscibile di Rhodes si concentra su una serie di dipinti e disegni meticolosamente resi, che ritrò ciò che lei definiva “edgelands”, ovvero quelle zone di confine tra la natura e l'intervento umano: siti industriali abbandonati, canali dimenticati, autostrade che si estendono a perdita d'occhio e vasti bacini idrici. Non si trattava di scene pastorali romantizzate; piuttosto, erano rappresentazioni attentamente osservate degli angoli trascurati del paesaggio britannico, infuse di una quieta malinconia e di un sottostante senso di inquietudine. La sua prospettiva aerea — spesso ottenuta attraverso fotografie o schizzi realizzati da punti di vista elevati — trasformava queste località apparentemente banali in composizioni complesse e stratificate. Questa scelta del punto di osservazione non era puramente estetica; rifletteva l'interesse dichiarato di Rhodes nel vedere il paesaggio “dall'alto verso il basso”, enfatizzando l'interconnessione di tutti gli elementi e rifiutando il tradizionale focus su primo piano e sfondo. Ella evitava deliberatamente di ritrarre le “facciate” di edifici o strutture, preferendo invece i retro — l'invisibile infrastruttura che sostiene la nostra vita quotidiana, rivelando la meccanica nascosta e i processi che sottendono l'attività umana.

Tecnica e influenze

La tecnica di Rhodes era caratterizzata da una deliberata compostezza e da un'attenzione quasi ossessiva al dettaglio. Spesso iniziava con disegni preparatori a matita, creando intricati schemi dei luoghi scelti — un processo che descriveva come la creazione di uno “scheletro” per il dipinto. Le sue tele stesse venivano eseguite con sottili strati di olio, utilizzando una tecnica bagnato su bido che creava un senso di fluidità e spontaneità, nonostante la precisione sottostante della pianificazione. Questo metodo generava immagini dotate di una qualità eterea, come se fossero colte in uno stato perpetuo di divenire. Il suo lavoro era sottilmente influenzato da una vasta gamma di fonti: i paesaggi del primo Rinascimento — in particolare quelli che utilizzavano la prospettiva aerea — fornirono una struttura per le sue composizioni; le fotografie di miniature senesi e indiane informarono le sue tavolozze cromatiche e le strategie compositive; e le mappe topografiche offrirono un radicamento nella geometria del territorio. Notevolmente, faceva spesso riferimento alla Baptist Predella di Giovanni di Paolo (1454), citando la sua rappresentazione di un “San Giovanni Battista in veste rosa che ascende un sentiero grigio verso una densità di rocce” come un riferimento visivo chiave per la propria esplorazione degli spazi liminali e del rapporto tra intervento umano e forma naturale.

Temi ed eredità

Al di là delle loro qualità puramente estetiche, i dipinti di Rhodes dialogano con profonde questioni tematiche. La sua opera esplora la complessa relazione tra l'umanità e l'ambiente, mettendo in discussione il nostro ruolo di creatori e distruttori di paesaggi. Il senso di sradicamento che ha caratterizzato la sua giovinezza — la sensazione di essere “spazialmente egualitari”, vedendo tutti gli elementi di un paesaggio come ugualmente importanti — emerge con forza nei dettagli meticolosi delle sue opere e nel loro rifiuto di punti di vista gerarchici. Inoltre, il lavoro di Rhodes critica sottilmente le forze politiche ed economiche che modellano il nostro rapporto con l'ambiente, mettendo in luce l'infrastruttura spesso invisibile che sostiene la vita moderna. La sua esplorazione delle “aree nascoste” funge da toccante monito degli spazi che scegliamo di ignorare — e delle conseguenze che ne derivano. La prematura scomparsa di Carol Rhodes nel 2018 ha lasciato dietro di sé un corpo di opere straordinariamente coerente e profondamente toccante, consolidando la sua posizione come voce significativa nella pittura di paesaggio contemporanea: un'artista capace di rivelare la bellezza e la complessità del mondo invisibile che ci circonda.

Opere note

• Service Station (1998)
• Industrial Belt (2006)
• Open Tent (1994)
• Hillside (2009)