Eine Bildhauerin der Schwellenräume: Die Welt von Cleo Fariselli

Cleo Fariselli, geboren 1982 in Cesenatico, Italien, ist eine Künstlerin, deren Werk an der feinen Schnittstelle zwischen Skulptur, Performance und sinnlicher Erfahrung existiert. In ihrer Praxis geht es weniger um die Erschaffung von Objekten als vielmehr um das Beschwören von Atmosphären – immersive Umgebungen, die zur Kontemplation über den Körper, die Wahrnehmung und die oft unsichtbaren Kräfte einladen, die unsere Realität formen. Farisellis künstlerischer Weg begann mit einem Fundament in den Bildenden Künsten an der Accademia di Brera in Mailand (BFA, 2007), doch ihre Erkundungen überschritten schnell traditionelle Grenzen. Dies führte sie zur Entwicklung einer einzigartigen visuellen Sprache, die im Liminalen verwurzelt ist – jener Schwelle zwischen Zuständen, dem Raum des Übergangs und des Potenzials. Sie lebt und arbeitet derzeit in Turin, einer Stadt, die mit der stillen Intensität ihrer Untersuchungen in Resonanz zu stehen scheint.

Frühe Einflüsse und konzeptionelle Grundlagen

Farisellis Werk lässt sich nicht einfach einer einzelnen Kunstbewegung zuordnen; vielmehr schöpft es aus einem vielfältigen Spektrum an Einflüssen. Eine Faszination für die Phänomenologie – das Studium der gelebten Erfahrung – ist in ihren Installationen deutlich spürbar. Sie scheint nicht nur zu fragen, was wir sehen, sondern *wie* wir sehen und wie der Akt der Wahrnehmung selbst das wahrgenommene Subjekt verändert. Frühe Experimente umfassten konzeptionelle Kunstpraktiken, die herkömmliche Vorstellungen von Form und Materialität herausforderten. Ein entscheidender Wandel vollzog sich jedoch mit ihrer Annahme des Körpers als Medium und Botschaft zugleich. Dabei ging es nicht bloß um Selbstdarstellung; es ging darum, die physische Form zu nutzen, um Themen wie Verletzlichkeit, Transformation und die inhärente Instabilität von Identität zu erforschen. Die wiederkehrenden Motive ihres Werks – das Schauen und Gesehenwerden, der Körper als Landschaft, Weiblichkeit und Wasser – entwickelten sich organisch aus dieser tief persönlichen Untersuchung.

Materialität und Prozess: Vom Konzeptualismus zur Keramik

Obwohl Farisellis konzeptionelle Wurzeln weiterhin offensichtlich bleiben, ist ihre jüngste Arbeit besonders durch ihre Auseinandersetzung mit der Materialität beeindruckend. Sie hat sich zunehmend der Raku-Keramik zugewandt, einer Technik, die für ihren unvorhersehbaren Brennprozess und die daraus resultierenden Texturen und Glasuren bekannt ist. Diese Wahl ist kein Zufall. Raku ermöglicht ein Maß an Zufall und Imperfektion, das die Fluidität und Vergänglichkeit widerspiegelt, die sie thematisch untersucht. Die Künstlerin gießt oft anatomische Teile ihres eigenen Körpers – eine Hüfte, eine Schulter, ein Ohr – und schafft so fragmentierte Formen, die zugleich unheimlich vertraut und seltsam fremd wirken. Dies sind keine idealisierten Darstellungen; sie sind geprägt von Rauheit, Unregelmäßigkeit und einem Gefühl der Abwesenheit. Wie Fariselli selbst bemerkt hat, sind die daraus resultierenden Leerräume keine Zeichen des Mangels, sondern vielmehr „alternative Räume“, die vor Potenzial für relationale Pfade und imaginative Interpretationen strotzen. Die metallischen Glasuren – schimmerndes Gold, Rost und irisierende Blautöne – verstärken diesen Sinn für Transformation und evozieren die geduldige Erschaffung perlartiger Oberflächen durch eine Auster.

Wichtige Erfolge und Anerkennung

Farisellis Werk hat in den letzten Jahren erhebliche Aufmerksamkeit erregt, mit Ausstellungen in bedeutenden Institutionen sowohl in Italien als auch im Ausland. Sie war Empfängerin des prestigeträchtigen Italian Council Produktionsstipendiums (2021-2022), das es ihr ermöglichte, *YOUR STORM / OUR DEW* zu realisieren – ein ortsübergreifendes Projekt, das an verschiedenen Schauplätzen wie dem Almanac Inn (Turin), den Almanac Projects (London), Morpho (Antwerpen) und dem Museo d'Arte Moderna in Bologna stattfand. Ihre Solostellungen in der Lucie Fontaine, Mailand (2008) und der Giuseppe Iannaccone Collection, Mailand (2019) etablierten sie als eine eindringliche Stimme innerhalb der zeitgenössischen Kunstlandschaft. Die Teilnahme an Gruppenausstellungen wie *Breaking Water* im Contemporary Arts Center in Cincinnati (2022) sowie Installationen in der GNAM - Galleria Nazionale d'Arte Moderna (Rom, 2021) und dem Palazzo Fortuny (Venedig, 2017 & 2018) haben ihren Ruf weiter gefestigt. Ihr Werk wurde zudem in einer Google Arts & Culture Story präsentiert, wodurch ihre einzigartige Vision einem breiteren Publikum zugänglich gemacht wurde.

Historische Bedeutung und künstlerisches Vermächtnis

Der Beitrag von Cleo Fariselli liegt in ihrer Fähigkeit, Kunst zu schaffen, die sowohl zutiefst persönlich als auch universell resonant ist. In einer Ära, die oft von Spektakel und sofortiger Bedürfnisbefriedigung dominiert wird, bietet sie einen Gegenpol – einen Raum für stille Kontemplation, sensorisches Eintauchen und die Erkundung innerer Landschaften. Ihr Werk fordert uns heraus, unsere Beziehung zum Körper, zur Wahrnehmung und zu den Schwellenräumen, die zwischen den Zuständen des Seins existieren, neu zu überdenken. Sie bietet keine einfachen Antworten; stattdessen lädt sie uns ein, die Ambiguität, die Verletzlichkeit und die transformative Kraft des Unbekannten anzunehmen. Farisellis Vermächtnis wird wahrscheinlich in ihrer Fähigkeit liegen, konzeptionelle Strenge mit viszeraler Erfahrung zu verbinden und Kunst zu schaffen, die noch lange nachwirkt, nachdem man ihre Gegenwart verlassen hat – ein Zeugnis für die dauerhafte Kraft der sensorischen Erkundung und das evokative Potenzial des liminalen Reiches.