Double Self Portrait (recto)

Kunstner

David Bomberg

Født i Birmingham, Storbritannia

Tidlig liv og kunstnerisk utdanning

Født: Birmingham, Storbritannia (5. desember 1890)

Død: London, Storbraftannia (19. august 1957)

En av 'Whitechapel Boys' – en gruppe kunstnere fra East End som vokste frem tidlig på 1900-tallet.

Som sønn av de polsk-jødiske immigrantforeldrene Abraham og Rebecca Bomberg, begynte han sin kunstneriske reise ved City and Guilds Technical Art School, før han videreutdannet seg som litograf i Birmingham.

Han studerte under Walter Sickert ved Westminster School of Art (1908–1910), hvor han ble preget av Sickers fokus på form og det urbane livet. Gjennom Roger Fry sin utstilling "Manet and the Post-Impressionists" i 1910, fikk han en betydelig eksponering for Paul Cézanne. Han begynte ved Slade School of Art i 1911, hvor han vant Tonks-prisen for sin tegning av medstudenten Isaac Rosenberg.

Avantgarde-årene: Kubisme, futurisme og kontrovers

Ved Slade var Bomberg en del av en bemerkelsesverdig generasjon som inkluderte Mark Gertler, Stanley Spencer, C.R.W. Nevinson og Dora Carrington.

Han ble påvirket av de italienske futuristenes utstillinger i London i 1912, samt Frys andre post-impresjonistiske utstilling (med kunstnere som Picasso, Matisse, fauvister og Wyndham Lewis).

Han utviklet en særegen stil som kombinerte kubisme og futurisme – preget av geometriske komposisjoner, en begrenset fargepalett, kantete figurer og rutenettlignende strukturer.

Hans radikale tilnærming førte til at han ble utvist fra Slade School of Art i 1913, da hans metoder ble ansett som for dristige for institusjonens konvensjonelle rammer.

Han var kortvarig tilknyttet Bloomsbury-gruppens Omega Workshops og stilte ut sammen med Camden Town Group. Han viste en affinitet med Wyndham Lewis' vortisistiske bevegelse, men forble uavhengig og nektet full deltakelse.

Fra krig til landskap: Et stilskifte

Erfaringene som menig soldat under første verdenskrig satte dype spor i hans kunstneriske visjon, noe som førte til en bevegelse bort fra det abstrakte.

I løpet av 1920-tallet adopterte Bomberg en mer figurativ stil, med fokus på portretter og landskap hentet direkte fra naturen. Han utviklet en stadig mer ekspresjonistisk teknikk, preget av teksturert impasto og emosjonell intensitet.

Omfattende reiser gjennom Midtøsten (særlig Palestina) og Europa hadde stor innflytelse på hans senere verk. Hans skildringer av Jerusalem er spesielt bemerkelsesverdige.

Sene år og ettermæle

Fra 1945 til 1953 underviste han ved Borough Polytechnic (nå London South Bank University), hvor han påvirket en hel generasjon kunstnere, inkludert Frank Auerbach, Leon Kossoff, Philip Holmes, Cliff Holden, Edna Mann, Dorothy Mead, Gustav Metzger, Dennis Creffield, Cecil Bailey og Miles Richmond.

Han var gift med landskapsmaleren Lilian Holt.

Til tross for perioder med relativ glemsel i sin levetid, har Bombergs arbeid vunnet økende anerkjennelse de siste tiårene som et betydelig bidrag til britisk modernisme.

David Bomberg House ved London South Bank University er oppkalt etter ham for å ære hans minne.

Hans ettermæle ligger i den unike syntesen av europeiske avantgarde-bevegelser og hans senere utvikling av en kraftfull, ekspressiv landskapsstil som fanget essensen av sted og menneskelig erfaring.

Museum

The Hepworth Wakefield

Utstilt i Wakefield, Storbritannia

The Hepworth Wakefield: Et fristed til skulptur og lys

Ved den sørlige bredden av elven Calder i Wakefield, West Yorkshire, ligger noe som er langt mer enn bare et galleri; The Hepworth Wakefield er et arkitektonisk manifest og et levende vitnesbyrd om Barbara Hepworths arv – en feiring av britisk modernistisk kunst som fortsetter å berøre besøkende den dag i dag. Siden åpningen i 2011, tegnet av David Chipperfield Architects, har bygningen legemliggjort selve essensen av sitt navn: enkelhet, eleganse og en dyp forbindelse med det omkringliggende landskapet.

Et arkitektonisk mesterverk:

Galleriet består av ti trapesformede blokker kledd i pigmentert betong, et banebrytende materialvalg som reflekterer Wakefields industrielle historie samtidig som det omfavner en slående moderne estetikk.

Hepworths arv:

Samlingen rommer over 4 400 skulpturer og tegninger av Barbara Hepworth, som viser hennes banebrytende tilnærming til form, rom og materiale – fra tidlige figurative verk til stadig mer abstrakte utforskninger av menneskefiguren.

Mangfoldige kunstneriske stemmer:

Utover Hepworths bidrag, fremmer The Hepworth Wakefield et rikt teppe av britiske moderne og samtidige kunstnere, inkludert Henry Moore, Helen Chadwick og David Hockney, noe som skaper en dialog mellom de store mestrene og nye talenter.

En historie forankret i tradisjon

Galleriets røtter strekker seg tilbake til Wakefield Art Gallery, etablert i 1923 som en lokal kulturinstitusjon – et rom dedikert til å dyrke kunstnerisk forståelse i lokalsamfunnet. Det var imidlertid den ambisiørende visjonen om å skape et spesialbygd sted, verdig nok til å ære Hepworths innflytelse og fremme britisk skulptur, som drev transformasjonen til det vi i dag kjenner som The Hepworth Wakefield.

De tidlige årene:

Wakefield Art Gallery fokuserte i utgangspunktet på å stille ut verk av europeiske mestre side om side med regionale kunstnere.

Prisinitiativet:

Lansert i 2015, fungerer Hepworth Prize for Sculpture som en avgjørende plattform for å støtte fremvoksende skulpturelle talenter og styrke britisk kunstnerisk innovasjon.

Anerkjennelse og priser:

Galleriet ble i 2017 anerkjent med britiske "Museum of the Year Award" – et bevis på dets forpliktelse til ekspertise og engasjement overfor publikum.

Utforskning av samtidskunst gjennom skulptur

The Hepworth Wakefield utmerker seg gjennom sin urokkelige dedikasjon til å vise frem samtidskunst, med et særlig fokus på skulptur. Kuratorene streber etter å presentere utstillinger som utfordrer oppfatninger og vekker intellektuell nysgjerrighet – og dermed fremmer en dypere forståelse av kunstnerisk uttrykk og dets rolle i å forme vårt kulturelle landskap.

Nylige utstillinger:

Høydepunkter inkluderer retrospektiver dedikert til kunstnere som Helen Chadwick, som tilbyr friske perspektiver på banebrytende arbeid og utforskninger av ulike kunstneriske medier.

Samfunnsengasjement:

Gjennom workshops, utdanningsprogrammer og arrangementer strekker The Hepworth Wakefields rekkevidde seg langt utover galleriets vegger – de knytter bånd til lokale publikummere og fremmer kunstnerisk dannelse.

En unik destinasjon:

Ved å kombinere arkitektonisk storhet med et levende kunstprogram, tilbyr The Hepworth Wakefield en oppslukende opplevelse for kunstelskere som søker inspirasjon og ønsker å fordype sin kjærlighet til den britiske kulturarven.

Utover veggene: En feiring av skulpturens kraft

Etoset til The Hepworth Wakefield handler om mer enn bare utstilling; det legemliggjør en tro på skulpturens evne til å kommunisere følelser, provosere tanker og berike vår forståelse av verden rundt oss. Forpliktelsen til å støtte fremvoksende kunstnere sikrer at britisk skulptur fortsetter å utvikle seg – og inspirerer kommende generasjoner av kreative sjeler og beriker den kulturelle samtalen.

Tim Sayers legat:

Galleriet ervervet Hepworths

Sculpture with Colour (Oval Form) Pale Blue and Red (1943)

– et monumentalt verk som tidligere ble solgt på auksjon – takket være et sjenerøst legat fra Tim Sayer, noe som har styrket samlingen av berømte britiske kunstnere.

Kontinuerlig forskning og samarbeid:

Partnerskap med institusjoner som Art Fund understreker The Hepworth Wakefields dedikasjon til å fremme kunstfaglig forskning og stimulere til dialog mellom kunsten og samfunnet.