Autorius
Gimė Floral Park, JAV
Formu sukurta拎gyvenimas: Robert Mapplethorpe pasaulė
Robertas Mapplethorpe – vardas, tapęs sinonimu tiek kvapaudinant gražumui, tiek gilioms kontroversijoms – išlieka vienu įtakingomiausių XX amžiaus fotografų. Gimęs 1946 m. Niujorko Floral Park, jis ne iškart sulaukė meninės pripažinimo, o jo kelionė buvo tolmėjantis evoliucijos procesas, skatinamas eksperimentais, mentorystės ir nekliudomos siekio pažrinti formos bei troškimų ribas. Pradinai pritrauktas grafikos prastovėje Pratt Institute, Mapplethorpe greitai pajuto tradicinių akademinių keterių spaudimą ir galiausiai paliko mokymus nebaigęs laipsnio. Šis pasitraukimas nebuvo meno atmetimas, o ieškojimas med mediumo, kuris galėtų tiesiogiau ištransliuoti jo augančią viziją – viziją, giliai įkvėptą tokių menininkų kaip Joseph Cornell ir Marcel Duchamp, kurių rasta objekto ir koncepcinio žaidimo priimtis rezonavo su jo paties formuojantismeninės estetika. Šie pirmieji metai buvo pažymėti įvairių medžiagų koliažais bei sudėtingais asembliažais, sukurtais iš surinktų medžiagų ir iškirptų vaizdų, užsimindinčiais tą formalų tikslumą ir temines temas, kurios vėliau apibrėžė jo fotografinį kūrybinį kelią.
Polaroido genesis ir kūrybinė partnerystė
Lūžio momentas įvyko 1970 m., įsigijus „Polaroid“ tipo fotoaparatą. Tai nebuvo tik įrankių pokytis; tai buvo atsidarymas. „Polaroid“ proceso akrobatika leido Mapplethorpe praleisti tradicinius tamsiosjos kambario metodus, susikoncentruodamas vietoj to į kompoziciją, šviesą ir šešėlį – elementus, kurie tapo jo stiliaus žyminėmis požymiais. Pradinėje stadijoje šie „Polaroid“ buvo integruojami į jo koliažus, tačiau netrukus jie pradėjo siekti savo nepriklausomybės, atskleisdami ypatingą jėgą savo ryškia juodai ir baltai tonalištu. Tuo pačiu metu užsimezgė itin reikšmingas ryšys su poete ir muzikante Patti Smith. Jų santykis, trumpiantis nuo 1eksistavimo 1967 iki 1972 metų, buvo abipusis meninis palaikymas ir įkvėpimas. Smith tapo dažna Mapplethorpe objektu jo objektyvo akį – jos grynoji energija ir bohemų dvasia buvo užfiksuoti vaizduose, spinduliuojančiuose íntią jautrumą. Šis laikotarpis nebuvo tik romantinė partnerystė; tai buvo krosna, kurioje abu menininkai tobulino savo meistriškumą, iššūkėdami vienas kitą plečiant kūrybines ribas.
Formos meistriškumas: stilius, temos ir skandalai
Mapplethorpe fotografinis stilius pasižymi griežtu formalizmu – pabrėžimu kompozicijos, simetrijos bei šviesos ir šešėlio sąveikos, primenančios klasikinę skulptūrą. Jis ne tiesiog dokumentavo savo objektus; jis juos konstruavo, pakėlę kasdienius daiktus ir žmogaus kūnus į ikoninį statusą per itin kruopštų techniką. Jo temų įvairovė buvo stulbinanti:人物 portretai su tokiais veikėjais kaip Andy Warhol ir Deborah Harry, meistriškai atliktos gėlių natūralūs mirtvairių vaizdai – ypač orchidėjos ir kalos lilijos – bei intreringi, íntūs autoportretai. Tačiau būtent jo tyrimai BDSM subkultūroje 1970-ais ir 80-metų Niujorko mieste įžvėtrė didžiausią skandalą. Šie vaizdai, nebijantys tiesios seksualybės ir galios dinamikos vaizdinimo, iššəkė konvencines skonio ir moralės sąvokas, paskelsdami debatas apie cenzūrą ir meninę laisvę. Mapplethorpe vengė šių kontroversijų; jis priėmė jas kaip neišvengiamą savo meninės praktikos dalį, tikėdamas, kad menas turi skatinti mąstymą ir iššūkoti visuomenės normas. Savo darbu jis dažnai nukreipė į religinius ar klasikinę įvaizdį, kurdamas įtraukiančią dialogą tarp šiuolaikinių temų ir istorinių meno formų, taip dar labiau sudėtingindamas interpretacijas ir pridedantis prasmės sluoksnių.
Paliktis ir ilgalaikis poveikis
Menų kurotoriaus Samo Wagstaffo mentorystė surengė esminį įtaką Mapplethorpe karjeros trajektoriai, suteikdama kritiškai svarbią finansinę paramą ir vadovavimą formavimo metais. Visą 80-metą Mapplethorpe vykdė plačias parodas, vis augindamas pripažinimą menų pasaulyje, kuris pasiekė kulminaciją 1988 m. Whitney American Art muziejuje – tai buvo lūžio pasiekimas, užtvirtinantis jo vietą kaip svarbaus šiuolaikinio menininko. Tačiau šį sėkmę šešėliavo skandalai dėl parodos „Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment“, kuri suėdama karštas debatas apie viešąjį finansavimą menui, laikytinamam obscene. Tragiška byla tai, kad Mapplethorpe mirė nuo AIDS 1989 m., palikdamas milžinišką ir sudėtingą kūrybinį palikimą, kuris rezonuoja ir šiandien. Po jo mirties buvo įsteigtas Robert Mapplethorpe Foundation, siekiantis išsaugoti jo meninę pavardę, remti medicinos tyrimus susijusius su HIV/AIDS ir skatinti fotografiją kaip meno formą. Jo įtaka išsiekia daug toli už fotografijos ribų, paveikdamas menininkų kartas savo drąsia tyrinėj seksualumą, formalistiniu požiūriu ir nekliudomu siekiu plečiant kūrybines sienas. Robert Mapplethorpe kūrinys išlieka nuolatinės diskusijos ir analizės objektu, įtvirtindamas jo vietą kaip vieno svarbiausių – ir dažnai iššūkį teikiančių – XX amžiaus amerikiečių menininkų. Jis pakėlė fotografiją į pagarbų meno lygį, įrodydamas, kad ji gali būti daugiau nei tiesiog dokumentacija; ji gali būti skulptūra, poezija ir provokacija, su一体 (suvienyta) viename intrigujančiame vaizde.
Muziejus
Parodoma Savannah, Jungtinės Amerikos Valstijos
Šiuolaikios vizijos šventovė: SCAD meno muziejus Savannah mieste
Įsikūręs istoriniame „Gray Building“ pastate – sakinio įrodyme apie Savannah pradinę pramoninę raidą kaip svarbų geležinkelio mazą ir užburiančią architektūrinę relikiją – SCAD meno muziejus švyti kaip ryški žiburiuotė, apšvindinanti šiuolaikinio meno ir dizaino pasaulį. Tai ne tik meno šedevrų saugykla, bet ir dinamiška mokymosi aplinka, neatsiejama nuo garsiojo Savannah meno ir dizaino koledžo (SCata SCAD), skatinanti kūrybiškumą ir plečianti meninės išraiškos ribas. Pradėjus veikti 2002 m. kaip Erlo W. Newton britų ir amerikiečių studijų centras, jo transformacija į SCAD meno muziejų 2006 m. tapo lūžio momentu, pažindančiu ne tik pripažintus menininkus, bet ir puoselėjantį būsimąsias kūrybines talentų kartas.
Muziejaus kolekcija yra stebėtinai įvairiapusis audinys, sukvėpiotas iš mados, fotografijos, skulptūros ir, svarbiausia, afroamerikietiško meno siūlių. Walterio O. Evans kolekcija yra monumentali pasiekimas – viena didžiausių tokio tipo kolekcijų JAV, kurioje saugomi tokio lygio meistrų kūriniai kaip Edward Mitchell Bannister, Romare Bearden, Elizabeth Catlett ir Robert S. Duncanson darbai. Ši kolekcija nėra tik paveislių paroda; tai gilus tapatybės, kultūros ir afroamerikietiško patyrimo tyrimas, suteikiantis žiūrėtojams intymybią pajusti turtingą ir dažnai pamirštą meninę paveldą. Be šio pagrindo, muziejuje rasite kvapą gniaužiantį
haute couture
ansamblį nuo ikoninių dizainerių – Yves Saint Laurent, Chanel, Oscar de la Renta ir Givenchy – kur kiekvienas rūbas yra kruopščiai sukurta stiliaus ir socialinės komentacijos istorija. Erlo W. Newton centro britų ir amerikiečių meno kolekcija prideda dar vieną istorinės gylio, apimdančią retus knygų, senovinių žemapių bei tokių meistrų kaip William Hogarth, Sir Anthony van Dyck ir Thomas Gainsborough paveislių dialogą tarp meninių tradicijų.
Pastatas, prisigaudėjęs istoriją ir inovacijas
Pats „Gray Building“ yra neatsiejama muziejaus istorijos dalis. Pradinai 1856 m. sumontuotas kaip „Central of Georgia Railway“ būstinė, jis įkūnija pramoninę Savannah praeitį. Jo kruopščiai atlikta restauracija nebuvo tik plytų ir medžio išsaugojimas; tai buvo pastato palikimo pagerbimas kartu su modernių požiūrių priėmimu. Išgelbėtos plytos ir originalios medžio lentužos yra itin kruopščiai integruotos galerijose, sukuriant kruopščiai pajungtą ryšį su vietos istorija. Muziejaus architektūra – tai stulbinantis viktorinio prabrėžimo ir šiuolaikinio dizaino derinys. Savannah skylėje dominuoja 86 pėdų aukščio plieno ir stiklo žiburiuotė – drąsus pareiškimas, kuris vienu metu šviesčia miesto paveldą ir žvelgia į ateitį. Tvariojo naudojimo sprendimų įtraukimas, įskaitant mažo energijos suvartojimo apšvietimą, zoninį klimato kontrolę ir vandens taupymo priemones, demonstruoja atsidavimą aplinkos atsakingumui.
Mokymosi ir dalyvavimo centras
Tai, kas tikrai išskiria SCAD meno muzieją, yra jo vaidmuo kaip mokomojo muziejaus. Tai ne tik vieta, kur stebėti meną; tai erdvė, kurioje studentai aktyviai dalyvauja kuratorių procese, įgydami neįkainojamos praktinės patirties. 250 seatų teatras tarnauja kaip vieta paskolom, pasirodymams ir projekcijoms, dar labiau praturtindamas edukacinę pasiūlą. André Leon Talley galerija, pavadinimo suteikta garsiajai „Vogue“ redaktoreje ir SCAD tarybos narei, skirta pristatyti mados istoriją ir dizainą, suteikiant unikalią platformą tyrinėti meno ir stiliaus sankryžą. Muziejaus įsipareigojimas išsilieka už jo sienų, visą metus siūlant įvairias parodas, renginius ir edukacines programas, todėl jis yra gyvybiškai svarbus kultūrinis resursas tiek studentams, tiek plačiajai bendruomenei.
Šiuolaikiniai balsai ir neblėstantis palikimas
SCAD meno muziejaus nuolatinė kolekcija yra įrodymas apie šiuolaikinio meno dinamiškumą. Ją didžiuojasi kūriniais, kurie suformavo mūsų vizualinį pasaulį – Salvador Dalí, Nicholas Hlobo, Willem de Kooning, Annie Leibovitz, Robert Mapplethorpe, Wangechi Mutu, Pablo Picasso, Robert Rauschenberg, Andy Warhol ir Carrie Mae Weems—menininkų, kurių inovatyvūs požiūriai toliau meta iššūkius konvencijoms ir įkvėpia dialogą. Nuolatinis muziejaus siekis pristatyti pradinį talentą užtikrina, kad jis išliktų meninės inovacijos priekyje. Kaip esminė SCAD misijos dalis, SCAD meno muziejus ne tik saugo meną; jis puoselėja kūrybiškumą ir formuoja dizaino ateitį.
