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作家

Arcangelo Ianelli

生誕地 São Paulo, Brazil

Early Life and Artistic Beginnings

Arcangelo Ianelli, born in São Paulo, Brazil, in 1922, embarked on a lifelong journey of artistic exploration that would firmly establish him as a significant figure within the Brazilian abstract art scene. Though largely self-taught, his early dedication to drawing was nurtured by foundational studies in perspective at the São Paulo Association of Fine Arts in 1940 and brief guidance from Colette Pujol in private painting lessons during 1942. However, it was a six-month period spent in Waldemar da Costa’s studio around 1944 that proved particularly formative, introducing him to artists like Lothar Charoux, Hermelindo Fiaminghi, and Maria Leontina—a network of peers who would shape his early artistic development. From the outset, Ianelli demonstrated a commitment to technique, even as he forged an independent path, prioritizing self-discovery over rigid academic constraints.

The Grupo Guanabara Years and Transition to Abstraction

The 1950s marked a pivotal period in Ianelli’s career with his involvement in the Grupo Guanabara. This collective of 34 artists—many of whom were Italian or Japanese immigrants, or their descendants—provided a crucial platform for emerging talents and fostered an environment of shared experimentation. Alongside Manabu Mabe, Yoshiya Takaoka, and Tikashi Fukushima, Ianelli began to move away from figurative representation towards the possibilities of abstraction. His early works from this period often depicted everyday scenes, urban landscapes, and seascapes, but even within these representational forms, a tendency toward formal synthesis and a restrained chromatic palette hinted at his evolving aesthetic sensibilities. The transition wasn’t abrupt; paintings like “Arvoredo” and “Casas,” both created in 1960, reveal figures undergoing geometric simplification—a first step towards the non-objective explorations that would define much of his later work.

Exploring the Essence of Form and Color

Ianelli’s artistic pursuit was characterized by a relentless search for what he termed “the indispensable.” As he delved deeper into abstraction, his canvases became fields for investigating the fundamental properties of form and color. The 1960s saw the emergence of works like “Três Forms” (1963), where irregular rectangles in muted tones were painted onto dark backgrounds, emphasizing the materiality of paint itself. This exploration intensified throughout the decade with the “Grafismos” series, where Ianelli thickened canvases with incised lines, creating tactile surfaces reminiscent of rock formations—a testament to his interest in natural textures and their interplay with abstract composition. He wasn’t merely abandoning representation; he was seeking a deeper, more essential language through pure visual means.

Geometry, Light, and the Pursuit of Emotional Space

The 1970s witnessed Ianelli's increasing engagement with geometric abstraction, drawing parallels to concretism. Compositions became structured around repeating shapes and regular alternations, generating optical effects that imbued his paintings with a sense of movement. Simultaneously, he experimented with “Transparencies,” employing tempera to create diaphanous layers of color—subtle overlaps of squares and rectangles that evoked luminosity. This period marked a shift towards prioritizing light as a central element in his work. By the 1980s, Ianelli began to relinquish defined contours altogether, allowing fields of color to expand toward the edges of the canvas, creating an immersive experience for the viewer. As curator Denise Mattar eloquently observes, his large canvases became “fields of vibration of light where color is expanded…creating an emotional space, an atmosphere that involves the spectator with a poetic emotion.”

Legacy and Historical Significance

Arcangelo Ianelli’s work stands as a testament to the power of sustained artistic inquiry. His dedication to abstraction wasn't merely stylistic; it was a philosophical pursuit—a quest for essential forms and colors that transcended the limitations of representation. His involvement with Grupo Guanabara helped shape the landscape of Brazilian modernism, fostering dialogue and experimentation among a diverse group of artists. The preservation of his legacy by his children, Katia and Rubens Ianelli, has ensured that future generations can appreciate the depth and nuance of his work. Ianelli’s paintings continue to resonate with viewers today, offering a compelling vision of abstraction as a means of evoking profound emotional responses and exploring the very essence of visual experience. His influence extends beyond painting, impacting sculpture and illustration, solidifying his position as an “essential artist” within the rich tapestry of Brazilian art history.

美術館・博物館

Centro Cultural Banco do Brasil - Brasília

展示場所： ブラジリア, ブラジル

ブラジルの創造性の灯火：セントロ・クルトゥラル・バンコ・ド・ブラジル — ブラジリア

ブラジリアの文化的景観は、野心と芸術的革新から形作られたモダニズムのビジョンによって、唯一無二の存在感を放っています。その文脈において、ブラジリアのセントロ・クルトゥラル・バンコ・ド・ブラジル（CCBB）は、ブラジルに脈々と流れる創造的精神を鮮やかに証明する存在です。ここは単なる美術館の枠を超え、芸術、映画、演劇、音楽、そして文学が交差するダイナミックな拠点であり、地元の人々から訪れる旅人まで、すべての人を深い没入体験へと誘います。1986年にブラジル銀行によって開始された広範なネットワークの一環として2000年に設立されたCCBBブラジリアは、ブラジルの芸術的遺産と国際的な視点を共に提示することに情熱を注ぎ、瞬く間に国内で最も親しまれる文化施設の一つへと登り詰めました。アルバ・ラベロ・クーニャの設計によるこの建築そのものが、その精神を体現しています。リオデジャネイロやサンパウロの拠点に比べると規模はより親密ですが、洗練されたエレガンスを湛え、クリーンなライン、豊かな自然光、そして展示や公演のために緻密に設計された空間が、ブラジリアの建築美学と見事に調和しています。

CCBBブラジリアの魅力の核心には、ブラジルの多面的な文化的アイデンティティを反映した、現代作品を中心とする厳選されたブラジル・モダンアートのコレクションがあります。歴史的な傑作を優先する大規模な美術館とは異なり、この施設は革新性と現在の芸術的潮流との対話を重んじています。来館者を迎えるのは、絵画、彫刻、写真、インスタレーションなど多岐にわたる作品群であり、その一つひとつが、深い思索を促し、理解を深めるために選ばれています。なかでも際立っているのは、フランシスコ・トニの「Utilitário Centro Cultural (lado B)」です。冷たい色調を用いた見事な幾何学的抽象画であるこの作品は、驚くべきリアリズムでサンパウロの工業的な魂を捉えています。こうした作品は、形と色がどのように複雑な概念を伝えることができるかを示しており、多様な芸術様式を探求しようとするCCBBの姿勢を象徴しています。さらに、「カリーベ」の名で知られるエクトール・ジュリオ・パリデ・ベルナボーによる魅惑的なペンとインクのドローイングは、緻密な観察眼と表現力豊かな技法を通じて、ブラジルの文化的遺産を垣間見せてくれます。

建築的な優雅さと空間の調和もまた、CCBBブラジリアの特筆すべき点です。2000年にアルバ・ラベロ・クーニャによって建設されたこの建物は、誇示することなく控えめな洗練さを追求しており、それはブラジリアのモダニズム精神を映し出しています。比較的コンパクトな設計は自然光を最大限に活用しており、それが芸術鑑賞やパフォーマンスにふさわしい雰囲気を作り出す重要な要素となっています。また、演劇制作と展示の両方に対応できるよう、空間は思慮深く構成されています。建物のファサードにはクリーンなラインと質感のあるコンクリートパネルが採用され、周囲の都市環境と調和しながらも、文化センターとしての役割をさりげなく示唆しています。この建築美学は、芸術的な関わりと文化交流のための開かれた空間を提供するという、CCBBの核心的な使命を強調しているのです。

CCBBブラジリアを他の美術館から際立たせているのは、絶え間ない芸術的ダイナミズムの追求です。静的な展示を優先する施設とは異なり、ここでは常に進化し続ける企画展が展開されています。ブラジル写真、特にパラー州に由来する作品から、視覚芸術を通じた黒人の経験の探求に至るまで、そのテーマは多岐にわたります。近年の展示では、重要な社会問題に対して繊細かつニュアンス豊かに向き合い、鑑賞者に挑戦的な視点を与える試みもなされてきました。こうした視覚芸術の取り組みを補完するように、国内外の映画の上映や演劇公演が定期的に行われ、訪れる人々の文化的視野を広げています。これらの活動は、創造性と対話を育むというCCBBのコミットメントを裏付けており、ブラジリア内外における知的好奇心の触媒としての役割を確固たるものにしています。

設立当初から、CCBBブラジリアは「すべての人々のための場所」として構想されました。これは、芸術は社会的な境界を超えるべきであるというブラジル銀行の信念の証です。この精神は単なる入場ポリシーにとどまらず、世代を超えて芸術への理解を深めるために設計された教育プログラムやワークショップにも深く根付いています。あらゆる年齢層を対象としたイベントは、未来のアーティストを育成し、ブラジル文化へのより深い理解を促します。CCBBは文化交流を積極的に推進し、芸術がいかに分断を埋め、共感を呼び起こすことができるかを証明することで、ブラジリアのみならず、ブラジル全体の芸術的景観におけるかけがえのない資産としての地位を確立しています。

その影響力は建物の壁を越え、既成の巨匠から新進気鋭の才能まで、ブラジル人アーティストにとって極めて重要なプラットフォームとして機能し、彼らが国家的な舞台で作品を発表する機会を提供しています。展示会は、時に不都合な真実に向き合うような切実な社会問題に深く踏み込み、批判的な内省を促します。近年の発表では、説得力のある写真の物語を通じてブラジルと米国の関係を照らし出したり、アイデンティティや遺産というテーマを深い洞察とともに探求したりしてきました。結局のところ、CCBBブラジリアは単に文化遺産を保存しているだけではありません。それは芸術的な言説を能動的に形作り、これから先も長く続く創造性にインスピレーションを与え続けているのです。