Artiste
Né(e) à Altmar, États-Unis
Premières années et carrière
Milton Clark Avery, un peintre moderniste américain, est né le 7 mars 1885 à Altmar, dans l'État de New York. Il a déménagé au Connecticut en 1898 puis à la ville de New York. Fils d’un tanneur, Avery a commencé à travailler dans une usine locale dès l’âge de 16 ans et s’est maintenu grâce à divers emplois ouvriers.
Parcours artistique
L'intérêt d'Avery pour l'art l'a conduit à suivre des cours à la Connecticut League of Art Students à Hartford. Il a pratiqué la peinture dans l'obscurité, recevant une formation artistique conservatrice. En 1917, il a commencé à occuper des emplois de nuit pour pouvoir peindre pendant la journée.
Mariage et soutien
En 1924, Avery a rencontré Sally Michel, une jeune étudiante en art, et ils se sont mariés en 1926. Les revenus de Sally en tant qu'illustratrice lui ont permis de se consacrer davantage à la peinture. Ils ont eu une fille, March Avery, en 1932.
Ascension vers la reconnaissance
La grande percée d'Avery est survenue lorsque Roy Neuberger a découvert son travail et a décidé de le promouvoir. Neuberger a acheté plus de 100 tableaux d'Avery, dont Gaspé Landscape, et les a prêtés ou donnés à des musées du monde entier. Cette exposition a conduit Avery à devenir un peintre très respecté et prospère.
Associations et héritage
Avery s'est lié d'amitié avec des artistes notables tels qu’Adolph Gottlieb et Mark Rothko à New York pendant les années 1930-40. La Phillips Collection à Washington, D.C., a été le premier musée à acheter un tableau d'Avery en 1929 et lui a consacré sa première exposition individuelle en 1944.
Style artistique et influences
Le travail d'Avery est essentiel pour la peinture américaine abstraite, se concentrant sur les relations de couleurs. Son style était influencé par le fauvisme français et l’expressionnisme allemand, son œuvre précoce ressemblant aux peintures d’Ernst Ludwig Kirchner. Dans les années 1940, le style d'Avery est devenu plus proche de celui d’Henri Matisse, utilisant la couleur avec une grande subtilité.
Œuvres clés :
Gaspé Landscape
Central Park
Le vol des oiseaux
Musées présentant l'œuvre d'Avery :
La Phillips Collection, Washington, D.C.
Hôpital Montefiore, New York
Associations notables :
Adolph Gottlieb
Mark Rothko
Héritage et décès
Avery est décédé le 3 janvier 1965 à l'hôpital Montefiore dans le Bronx, New York. Il est enterré au cimetière des artistes de Woodstock, dans le comté d’Ulster, dans l’État de New York. Après sa mort, sa veuve, Sally Avery, a fait don de ses papiers personnels aux Archives du patrimoine artistique de l'Institution Smithsonian. Découvrez d’autres artistes sur AllPaintingsStore
Musée
Exposé à Washington, D.C., États-Unis d'Amérique
Origines et histoire de l'institution
The Phillips Collection est née d'un désir profondément personnel : celui de vivre en symbiose avec l'art. Fondée par Duncan Phillips en 1921, l'institution a vu le jour lorsque ce dernier a transformé sa propre demeure familiale en une galerie d'art. Nichée dans le quartier élégant de Dupont Circle à Washington, D.C., cette institution privée et non gouvernementale a été établie pour favoriser une connexion directe entre le spectateur et l'esprit créatif. Elle détient la distinction d'être le premier musée d'Amérique dédié à l'art moderne.
Depuis plus d'un siècle, la collection s'est enrichie grâce à un engagement indéfectible envers l'art moderne et contemporain. Les racines de l'institution plongent dans l'intimité de l'espace domestique, là où les frontières entre une résidence privée et une galerie publique demeurent subtilement floues. Ce commencement singulier a façonné une mission essentielle : traiter l'art comme une présence vivante plutôt que comme un objet d'étude distant. La collection s'est développée selon une approche spontanée de l'acquisition, testant souvent de nouvelles œuvres pour voir si elles possédaient l'endurance nécessaire pour s'inscrire durablement dans un dialogue permanent.
L'histoire de l'institution est marquée par un intérêt profond pour l'évolution de l'expression artistique. En regroupant les œuvres selon leur tempérament esthétique, la collection retrace une lignée allant des influences du XIXe siècle jusqu'aux complexités du présent. Cette approche a permis l'inclusion de voix qui étaient souvent négligées par le monde de l'art conventionnel au début du XXe siècle.
Le Bâtiment et son Architecture
Nichée dans le quartier historique de Dupont Circle à Washington, D.C., l'institution réside au cœur d'une demeure d'origine de style Georgian Revival. Cet espace n'a pas été conçu comme une institution publique, mais est né de la maison familiale de Duncan Phillips. Cette origine domestique demeure l'essence même de l'atmosphère du lieu, puisque la galerie occupe une partie de la résidence elle-même. L'architecture préserve un sentiment d'intimité, conservant un caractère habité plutôt qu'institutionnel. Elle fonctionne comme une demeure pour les beaux-arts, où les frontières entre une résidence privée et un espace public demeurent intentionnellement floues.
La structure a été agrandie avec soin au fil des années pour accueillir une collection en constante expansion. Ces extensions ont été intégrées de manière à respecter l'échelle existante de la maison, évitant ainsi les proportions imposantes que l'on retrouve souvent dans les institutions plus vastes. Il en résulte une succession de pièces qui invitent à la contemplation silencieuse. On peut se surprendre à se tenir devant une toile dans un cadre qui semble à la fois intime et protégé. L'agencement favorise un dialogue entre l'architecture et les œuvres qu'elle abrite, garantissant que l'environnement demeure un sanctuaire pour ceux qui recherchent une rencontre directe avec l'art.
Chefs-d'œuvre de la Collection
La collection abrite près de 6 000 œuvres qui tracent une lignée continue, depuis les influences du XIXe siècle jusqu'aux bouleversements du modernisme. Pierre-Auguste Renoir et son magistral Luncheon of the Boating Party, acquis en 1923, demeure une présence centrale et vibrante au cœur des galeries. Cette œuvre s'inscrit dans un ensemble exceptionnel de toiles impressionnistes et post-impressionnistes, comprenant des pièces de Monet, Degas et Van Gogh. La présence de Cézanne et de Courbet offre, quant à elle, le socle nécessaire aux mutations stylistiques plus radicales qui s'ensuivront.
L'évolution de la forme et de la couleur éclate avec une évidence saisissante dans les œuvres de Matisse, Picasso et Braque. Ces artistes incarnent le mouvement vers l'abstraction et la libération chromatique. Un jalon majeur de la collection a été franchi en 1957 avec l'acquisition du premier tableau de Mark Rothko, marquant un tournant vers l'esthétique du milieu du siècle. Le dialogue entre ces différentes époques est perpétué par la mise en scène méticuleuse des œuvres de ces divers maîtres.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, vers 1886
St. Francis in Ecstasy
Expositions et Recherche
L'institution fonctionne comme un véritable laboratoire d'expérimentation, un espace où les idées nouvelles sont mises à l'épreuve par la mise en scène même des œuvres. Loin de se contenter d'expositions statiques, les galeries sont fréquemment réorganisées afin de susciter de nouveaux dialogues entre les pièces. Ce mouvement perpétuel permet une réévaluation constante de l'interaction entre les différents styles et les époques au sein de l'espace. Des expositions temporaires viennent enrichir la collection permanente, offrant ainsi un regard mouvant et renouvelé sur l'histoire de l'art moderne.
Une sensation de permanence subsiste pourtant au cœur de ce paysage changeant, notamment dans la Rothko Room. Cette installation permanente offre un sanctuaire dédié à la contemplation, se distinguant nettement des dispositifs d'exposition rotatifs. Au-delà de l'expérience purement visuelle, l'institution s'engage activement auprès de la communauté grâce à des programmes éducatifs primés. Ces initiatives aspirent à tisser un lien plus profond entre le public et l'esprit créatif qui palpite entre ces murs.
