Artiste
Né(e) à Hartford, États-Unis
Première Vie et Formation
Dwight William Tryon est né le 13 août 1849 à Hartford, dans le Connecticut, de Anson Tryon et Delia O. Roberts.
La mort précoce de son père l'a laissé élevé par sa mère sur la ferme de ses grands-parents à East Hartford.
Il s’est intéressé naturellement à l’art, étudiant des manuels d’instruction artistique dans une librairie où il travaillait.
Tryon a commencé à esquisser la campagne environnante pendant son temps libre.
Il a vendu sa première peinture en 1870 et s'est fait connaître localement avant de gagner en reconnaissance à la National Academy of Design en 1873.
Développement Artistique et Influences
En 1876, Tryon a étudié formellement l’art en France sous Jacquesson de la Chevreuse et à l'École des Beaux-Arts. Il a également reçu des instructions de Charles-François Daubigny, Henri Harpignies et Jean Baptiste-Antoine Guillemet.
Initialement, son style penchait vers le luminisme avant de passer à l’école Barbizon, influencé par des artistes comme George Inness et Alexander Helwig Wyant.
Malgré une exposition à l'impressionnisme en France, Tryon est resté fidèle à l'esthétique Barbizon.
Son travail a été considérablement influencé par James McNeill Whistler, ce qui se reflète dans son style tonaliste.
Style Mature et Œuvres Notables
À la fin des années 1880, Tryon a développé son style emblématique, caractérisé par un groupe ou une rangée brisée d'arbres au milieu du décor, souvent avec des teintes automnales, séparant un ciel lumineux au-dessus et un marais ou un pâturage en premier plan.
Il peignait fréquemment des paysages marins à l’aide de pastel pour représenter des scènes expansives d’eau, de ciel et de plage dans diverses conditions météorologiques.
Parmi ses œuvres notables figure Salt-Marsh, December, qui a remporté le premier prix lors de l'Exposition Centennial du Tennessee en 1897.
Ses peintures ont été exposées à l’échelle nationale, avec une préférence pour la Pennsylvania Academy of Fine Arts et la Montross Gallery.
Mécénat et Reconnaissance
Charles Lang Freer est devenu le principal mécène de Tryon, acquérant des douzaines de ses œuvres et collaborant à la conception intérieure de sa maison de Detroit. De nombreuses peintures se trouvent aujourd'hui à la galerie Freer d’art.
Tryon a reçu le prix Carnegie lors de l'Exposition Carnegie en 1908.
Il était membre de plusieurs organisations artistiques prestigieuses, notamment la Society of American Artists, l'American Watercolor Society et le National Institute of Arts and Letters (aujourd’hui l'American Academy of Arts and Letters).
Vie ultérieure et Héritage
En 1887, il a construit une maison d'été à South Dartmouth, dans le Massachusetts, qui est devenue son domicile.
Il a enseigné au Smith College de 1886 à 1923, établissant la Tryon Gallery of Art.
Dwight William Tryon est décédé le 1er juillet 1925 des suites d'un cancer.
Son héritage réside dans sa contribution au tonalisme américain et sa capacité à capturer des paysages atmosphériques et des paysages marins avec une couleur délicate et un sentiment raffiné. Ses œuvres sont conservées dans des collections prestigieuses telles que le Smithsonian American Art Museum et la Freer Gallery of Art.
Musée
Exposé à New York, États-Unis d'Amérique
Origines et histoire du Metropolitan Museum of Art
Le Metropolitan Museum of Art est né d'une vision partagée par un cercle d'hommes d'affaires, de financiers, ainsi que d'artistes et de penseurs de premier plan. Après sa constitution en 1870, l'institution a cherché un foyer permanent pour abriter ses acquisitions grandissantes. Avant de s'installer dans son emplacement actuel, le musée a brièvement résidé dans le domaine de la Douglas Mansion, sur West 14th Street. Cette période initiale fut celle d'une formation discrète, où la collection commençait à prendre forme grâce au dévouement de ses fondateurs.
En 1872, le musée a ouvert ses portes au 681 Fifth Avenue. Le premier site était de dimension modeste, abritant moins de 200 peintures européennes. À partir de ces débuts humbles, l'institution a connu une expansion fulgurante, accumulant plus de 1,5 million d'œuvres depuis 1872. La présence de ces objets offre un lien tangible avec les ambitions du XIXe siècle, alors que le musée passait d'un simple assemblage de tableaux à un vaste sanctuaire de la créativité humaine.
L'Architecture du site de la Fifth Avenue
Le bâtiment principal est une magnifique incarnation du style Beaux-Arts, achevé entre 1902 et 1914. Des colonnes colossales encadrent l'entrée, créant un sentiment d'échelle qui dialogue avec la rue. Cette structure monumentale a été conçue pour évoquer la majesté des palais européens, offrant un sentiment de permanence au cœur d'une métropole en perpétuelle mutation. L'entrée invite à une transition poétique, faisant passer le visiteur du tumulte urbain vers des galeries vertigineuses baignées de lumière naturelle.
Les traces d'une époque révolue subsistent pourtant dans l'empreinte actuelle du musée. La structure originale de la Fifth Avenue, conçue par Calvert Vaux et Jacob Wrey Mould, se distinguait par sa façade en briques rouges. Bien qu'une grande partie de la conception initiale ait été absorbée par les expansions successives, la façade ouest de cet édifice demeure visible aujourd'hui au sein de la Robert Lehman Wing. Ce fragment architectural offre un lien feutré avec l'identité originelle du musée.
Diversité des collections à travers cinq millénaires
Le poids de cinq mille ans de créativité humaine réside entre ces murs, s'exprimant à travers plus de deux millions d'objets d'art. L'ampleur de cette accumulation permet une confrontation silencieuse avec un passé lointain. On y découvre la collection d'art grec et romain, qui compte 30 000 œuvres, où le Kouros en marbre de la galerie 154 impose le respect. Cette figure à taille humaine, datant du VIe siècle avant notre ère, pèse une tonne métrique et équilibre sa masse immense sur des jambes presque parfaitement droites.
L'étendue des collections s'étend jusqu'aux domaines de l'art africain, océanien et américain, offrant une présence issue des quatre coins du globe. Au sein de la Collection Cesnola, environ 35 000 objets d'art chypriotes ouvrent une fenêtre privilégiée sur la Méditerranée. Ces pièces, acquises par Luigi Palma di Cesnola, représentent une part significative des trésors antiques de l'institution.
Statuette d'hippopotame décorée de lotus à glaçure bleue, vers 1961–1878 av. J.-C.
Bas-reliefs assyriens sculptés dans la pierre
Marbres du Parthénon
Chefs-d'œuvre de la collection permanente
La présence des Marbres du Parthénon offre une rencontre directe avec l'Antiquité classique. À proximité, une statuette d'hippopotame égyptienne décorée de lotus et émaillée de bleu, datant d'environ 1961–1878 av. J.-C., propose une perception différente de l'échelle et de la finalité artistique. Ces objets coexistent au sein d'un espace qui porte en lui le poids de cinq millénaires d'histoire.
La modernité s'impose par l'échelle physique monumentale de l'œuvre Autumn Rhythm (Number 30) de Jackson Pollock. La toile, haute de huit pieds et longue de dix-sept pieds, déploie un réseau de projections qui captive instantanément le regard du spectateur. Dans d'autres recoins, l'intensité du Self-Portrait with a Straw Hat de Vincent Van Gogh demeure un point de focalisation majeur, où des coups de pinceau maîtrisés viennent envelopper le regard. Enfin, le portrait de Gertrude Stein par Pablo Picasso préfigure son évolution vers le cubisme, capturant un instant précis de la vie de la communauté d'expatriés américains à Paris.
Autumn Rhythm (Number 30)
Self-Portrait with a Straw Hat
Gertrude Stein
Art Notable et Mouvements Artistiques
La collection reflète l'évolution des sensibilités à travers les âges, de l'élégance formelle de l'Âge d'Or aux complexités de notre époque contemporaine. Durant l'Âge d'Or, les œuvres cherchaient souvent à émuler la culture et le style européens, capturant ainsi les aspirations sociales d'une ère nouvellement opulente. Le tableau Mr. and Mrs. I.N. Phelps Stokes de John Singer Sargent illustre parfaitement cette période, témoignant de la précision technique et de l'assurance sociale qu'exigeait un portraitiste de renom. Cette peinture saisit un instant précis de la vie américaine grâce à sa composition méticuleuse et son attention portée au caractère des sujets.
La modernité et l'expression contemporaine trouvent leur place au cœur des galeries et s'inscrivent jusqu'à la peau même du bâtiment. Le musée dialogue avec les figures actuelles, à l'instar de Wangechi Mutu, dont les sculptures humanoïdes habitent les niches de la façade. Ces œuvres créent un pont entre l'architecture pérenne et le dialogue mouvant de l'art moderne. La présence de telles figures garantit que l'institution demeure intimement liée au paysage artistique actuel.
Portrait de Jeanne Hebuterne, 1918 - Amedeo Clemente Modigliani
Self-Portrait with a Straw Hat - Vincent Van Gogh
Autumn Rhythm (Number 30) - Jackson Pollock
Gertrude Stein - Pablo Picasso
Événements culturels et rassemblements sociaux
L'institution fait office de véritable carrefour pour les rencontres sociales et culturelles, jetant un pont entre la permanence de l'histoire et le pouls vibrant de la vie manhattanaise. Chaque année, le premier lundi du mois de mai est marqué par le Met Gala, un événement reconnu comme la plus grande nuit de la mode mondiale. Ce rendez-vous prestigieux réunit designers et célébrités pour une soirée empreinte d'un glamour absolu, au cœur même des galeries du Metropolitan Museum of Art.
Au-delà de ces instants de spectacle éphémères, le musée entretient un rythme constant d'échange avec la cité. Les vendredis et samedis soirs, ses halls s'ouvrent pour le « Date Night at the Met », offrant une forme d'intimité différente avec les collections. Ces programmes récurrents permettent à l'espace de demeurer un élément vital du tissu social local, oscillant entre l'intensité d'un événement de mode planétaire et la quiétude d'une soirée de week-end.
