Artiste
Né(e) à Monroe, États-Unis
Premières années et formation
Né : 5 juillet 1940, Monroe, Washington
Décédé : 19 août 2021, Oceanside, New York
La vie précoce de Close a été marquée par une condition neuromusculaire et la dyslexie, ce qui a présenté des défis dans son enfance.
Il a fréquenté l'Everett Community College (1958-1960) avant de poursuivre ses études à l'Université de Washington (B.A., 1962).
Ses études ultérieures comprenaient l'École d'été de musique et d'art de Yale (1961) et l'Université de Yale (BFA, 1963 ; MFA, 1964).
Il a reçu une bourse Fulbright en 1964 pour étudier à l'Akademie der Bildenen Künste de Vienne.
Développement artistique et style
Close est renommé pour ses portraits photoréalistes et hyperréalistes, souvent exécutés à grande échelle.
Initialement influencé par l'expressionnisme abstrait, il a évolué vers le photo-réalisme à la fin des années 1960.
Sa technique impliquait d'utiliser un système de quadrillage pour transférer des images photographiques sur de grandes toiles, reproduisant méticuleusement les détails avec de la peinture acrylique et des techniques d'aérographe.
Il a exploré divers médias et techniques tout au long de sa carrière, notamment des motifs d'empreintes digitales et des procédés d'impression couleur.
Une caractéristique déterminante du travail de Close est l'accent mis sur les imperfections - yeux rouges, capillaires cassés - soulignant à la fois les limitations mécaniques de la photographie et les défauts inhérents aux traits humains.
Réalisations majeures et innovations
Les portraits à grande échelle de Close ont acquis une reconnaissance généralisée dans les années 1970, établissant sa position de figure de proue du photoréalisme.
Sa série « empreintes digitales » a démontré une approche innovante de la texture et de l'abstraction, utilisant ses propres empreintes digitales pour créer des dégradés subtils de gris.
Malgré sa paralysie due à une occlusion de l'artère rachidienne antérieure en 1988, Close a continué à peindre, adaptant ses méthodes et même peignant avec la bouche.
Son travail a été exposé dans le monde entier et est inclus dans d'importantes collections de musées telles que l'Art Institute of Chicago, le Museum of Modern Art (New York) et la Tate Gallery (Londres).
Influences et signification historique
Close a cité Jackson Pollock comme une influence précoce, notant un moment clé où il a rencontré les peintures au dripping de Pollock au Seattle Art Museum.
Son travail a remis en question les notions traditionnelles du portrait en mettant l'accent sur la reproduction mécanique et l'observation objective.
L'exploration par Close de l'échelle, du détail et du processus a considérablement influencé le développement du photoréalisme et de l'art contemporain.
Il est reconnu pour sa capacité à transformer la photographie en peintures monumentales qui explorent les thèmes de l'identité, de la perception et de la représentation.
Œuvres notables
Diptych Barack Obama : Un portrait saisissant en noir et blanc de l'ancien président Barack Obama.
Big Self-Portrait : Un autoportrait précoce démontrant sa technique de quadrillage à grande échelle.
Self-Portrait Spitbite White on Black : Un autoportrait en mosaïque numérique présentant des détails pixélisés.
Mark : Un portrait puissant de l'artiste Richard Serra.
Nat : Un portrait d'un ami, remarquable pour son rendu détaillé.
Musée
Exposé à Kansas City, États-Unis
Un Sanctuaire de la Modernité : L'Expérience du Musée Kemper
Au cœur de Kansas City, là où le pouls urbain rencontre une profonde quiétude contemplative, s'élève le Kemper Museum of Contemporary Art. Depuis l'ouverture de ses portes en 1994, cette institution est bien plus qu'un simple conservatoire d'objets ; elle est un témoignage vivant et vibrant de la puissance éternelle de la créativité humaine. Fondé grâce à la générosité visionnaire de Bebe et R. Crosby Kemper Jr., le musée est né du désir d'offrir au Missouri sa première scène dédiée à l'avant-garde. Franchir son seuil, c'est pénétrer dans un royaume où les frontières entre le spectateur et l'œuvre commencent à se dissoudre, guidé par un engagement indéfectible envers l'accessibilité qui fait de l'art un présent démocratique, offert librement à tous ceux qui le recherchent.
Le vaisseau architectural qui abrite ces trésors est une œuvre d'art tout autant que les toiles qu'il protège. Conçu par le célèbre Gunnar Birkerts, le bâtiment est une leçon magistrale de modernisme organique, semblant presque avoir été sculpté à la main dans le béton, l'acier et le verre. La structure évite la rigidité froide souvent associée aux institutions contemporaines, privilégiant des formes fluides qui font écho à la fluidité de l'art qu'elle renferme. En déambulant dans le musée, l'atrium expansif — baigné d'une lueur céleste provenant d'un puits de lumière articulé — agit comme un noyau lumineux central, attirant les visiteurs vers les ailes des expositions permanentes et temporaires. Ce jeu entre la lumière et la précision structurelle crée une atmosphère d'élégance éthérée, faisant de la simple marche à travers les galeries un véritable voyage sensoriel.
Une Tapisserie de Chefs-d'œuvre Visionnaires
L'âme du Kemper réside dans sa remarquable collection permanente, un dialogue soigneusement orchestré entre les titans du XXe siècle et les provocateurs d'aujourd'hui. Le musée détient une lignée profonde d'abstraction et d'expression, présentant les projections rythmiques et énergiques de
Jackson Pollock
aux côtés de la puissance viscérale et gestuelle de
Willem de Kooning
. Les visiteurs peuvent s'égarer dans les champs de couleur éthérés d'
Helen Frankenthaler
ou parcourir les paysages méticuleux et évocateurs d'
Andrew Wyeth
. Cette collection ne se contente pas d'exposer l'histoire ; elle capture l'évolution de la pensée, passant des bouleversements radicaux suivant l'Armory Show de 1913 aux installations multimédias complexes qui définissent notre époque actuelle.
Au-delà de la toile, le rayonnement du musée s'étend au tactile et au photographique. Les jardins de sculptures et les galeries défient les perceptions de la forme à travers les œuvres de
Louise Bourgeois
,
Jim Dine
et
Dale Chihuly
, où la masse et l'espace sont constamment renégociés. Dans le domaine photographique, l'imagerie intime et souvent confrontante de
Nan Goldin
offre un contrepoint poignant aux abstractions plus vastes, documentant les textures brutes de l'expérience humaine. Pour le designer d'intérieur ou le collectionneur, ces œuvres représentent le sommet de l'inspiration esthétique, offrant une profondeur narrative et texturale capable de transformer n'importe quel espace en un lieu d'enquête intellectuelle.
Un Repère Culturel de Connexion
Ce qui distingue véritablement le Musée Kemper, c'est sa capacité à tisser l'art dans la trame même de la vie quotidienne. Cela s'incarne peut-être plus magnifiquement encore au
Café Sebastienne
, où l'acte de dîner devient une extension de l'expérience de la galerie. Au sein de ce sanctuaire culinaire, l'on peut rencontrer « The History of Art », une collection époustouflante de 110 peintures de Frederick J. Brown, qui célèbre l'héritage artistique afro-américain et ajoute une couche de richesse historique au paysage social du musée. Que ce soit à travers les expositions spéciales itinérantes qui apportent des perspectives mondiales à Kansas City ou lors des moments de calme passés dans les halls inondés de lumière, le Kemper demeure une pierre angulaire vitale de la scène artistique américaine — un lieu où l'histoire est honorée et où l'avenir de la créativité est perpétuellement réimaginé.
