Artiste
Né(e) à Buffalo, États-Unis d'Amérique
Première Vie et Formation
Naissance : Adolph Friedrich Reinhardt, le 24 décembre 1913, à Buffalo, dans l'État de New York
Origines Familiales : A vécu dans la section Riverside au bord du fleuve Niagara. Relation étroite avec son cousin Otto. Le travail de son père a conduit la famille à New York City.
Formation : Études d’histoire de l'art au Columbia College de l'Université Columbia (1931-1935). A étudié sous la direction de Meyer Schapiro.
Formation Artistique : Cours de peinture à Teachers College de Columbia. A étudié la peinture avec Carl Holty et Francis Criss à l’American Artists School. Études de portraiture à la National Academy of Design sous Karl Anderson.
Développement Artistique Précoce : Reconnu comme un peintre talentueux dès son plus jeune âge, remportant des prix en école primaire et secondaire. Il croyait avoir maîtrisé les compétences techniques très tôt.
Carrière et Évolution Artistique
Projet Fédéral de l'Art WPA (1936-1940) : Accrédité comme peintre par Burgoyne Diller, ce qui lui a permis de travailler sur la division des ateliers du WPA.
American Abstract Artists (AAA) : Est devenu membre des AAA et y a exposé tout au long des années 1940. Il décrivait son association avec le groupe comme « l'une des plus grandes choses qui se soient jamais produites pour moi ».
Galerie Betty Parsons : A régulièrement exposé à la galerie de Betty Parsons, en commençant par Wakefield Bookshop et Mortimer Brandt Gallery.
Progression Artistique : Ses premières œuvres présentaient des formes géométriques. Progression vers des œuvres dans différentes nuances de la même couleur (tout rouge, tout bleu, tout blanc) dans les années 1950.
"Peintures Noires" (années 1960) : Est devenu le plus célèbre pour ses « peintures noires » ou « ultimes » – des toiles apparemment monochromes composées de subtiles variations en noir et presque-noir. Il explorait les concepts de limites absolues dans l'art.
Philosophie Artistique et Influences
Art-as-Art : A défendu une philosophie qu’il appelait Art-as-Art, soulignant l’autonomie de l’art par rapport aux préoccupations ou à la représentation externes.
Critique des "Artistes-en-tant-qu'Artistes" : Utilisait l’écriture et les dessins satiriques pour critiquer ce qu’il considérait comme des pratiques problématiques des artistes qui privilégiaient le message social ou politique par rapport aux considérations purement esthétiques.
Influences : Amitiés étroites avec Robert Lax et Thomas Merton, partageant des concepts de simplicité dans différentes directions artistiques.
Art Conceptuel, Minimalisme, Peinture Monochrome : Son travail a grandement influencé le développement de l’art conceptuel, de l’art minimal et de la peinture monochrome.
Carrière d'Enseignement et Héritage
Postes d'Enseignement : A enseigné au Brooklyn College (1947-1967), à la California School of Fine Arts, à l’Université du Wyoming, à Yale University et au Hunter College.
Protestation Artistique : Impliqué dans la protestation de 1940 contre MoMA et la protestation des « irascibles » de 1950 contre le Metropolitan Museum of Art. A créé une lithographie, « No War », pour Artists and Writers Protest Against the Vietnam War (1967).
Écriture : A rédigé d’abondants écrits sur la théorie de l'art et son propre travail, recueillis dans Art as Art (1991).
Représentation : L'héritage d'Ad Reinhardt est représenté par David Zwirner Gallery.
Décès : Décédé le 30 août 1967, à New York City.
Signification Historique
Pionnier du Minimalisme et de la Peinture Monochrome : Les « peintures noires » de Reinhardt sont considérées comme des œuvres essentielles dans le développement des mouvements artistiques minimalistes et monochromes.
Théoricien de l'Art Influant : Ses écrits sur Art-as-Art ont remis en question les conceptions conventionnelles du rôle de l’art et de sa relation avec la société, influençant ainsi les générations futures d’artistes et de critiques.
Figure Clé de l'Expressionnisme Abstrait : En tant que membre des AAA et associé à la galerie Betty Parsons, Reinhardt a joué un rôle important dans le développement de l'expressionnisme abstrait.
Impact Durable : Son travail continue d’être exposé et étudié, témoignant de son influence durable sur l’art contemporain et la théorie.
Musée
Exposé à New York, États-Unis d'Amérique
Origines et histoire du Whitney Museum of American Art
Le Whitney Museum of American Art est né d'un moment de rejet institutionnel. En 1929, le Metropolitan Museum of Art déclina un don de près de 500 nouvelles œuvres proposé par Gertrude Vanderbilt Whitney. Cette décision fut l'étincelle qui permit l'établissement d'un espace dédié à une vision radicalement différente. Fondée en 1930 et officiellement organisée en 1931, l'institution est le fruit de la détermination de Gertrude Vanderbilt Whitney, figure éminente de la société américaine, sculptrice et mécène passionnée. Son ambition était de offrir une scène à la créativité américaine, s'affranchissant ainsi des traditions européennes prédominantes.
La première demeure du musée se situait au 8–12 West 8th Street. Ce site initial faisait office de galerie et de résidence, né de la réunion de trois maisons de ville datant de 1838. Cet espace permettait une connexion directe et organique entre l'acte de vivre et l'acte d'exposer. Cette période fondatrice a jeté les bases d'une collection qui allait, au fil du temps, s'enrichir pour comprendre plus de 21 000 œuvres. L'institution est ainsi devenue une présence constante et incontournable dans le paysage artistique américain, se consacrant avec passion à l'évolution d'un langage visuel unique.
Le Bâtiment et son Architecture
La présence physique du musée a connu une transformation profonde au fil des décennies. Son ancien refuge brutaliste, situé autrefois sur Madison Avenue, était une structure qui définissait une époque bien différente de la vie de l'institution. Aujourd'hui, le musée réside dans une merveille architecturale sur Gansevoort Street. Conçu par Renzo Piano, l'édifice actuel privilégie une sensation de fluidité spatiale. Le design met l'accent sur une connexion naturelle entre les galeries intérieures et l'effervescence de la ville, permettant ainsi à l'environnement urbain d'interagir avec les espaces de conservation.
La lumière est un élément fondamental de ce site de Gansevoort Street. Les galeries sont baignées d'une lueur douce et diffuse qui permet aux textures et aux pigments des œuvres de résonner avec l'intensité voulue par les artistes. Ce jeu entre l'intérieur et le monde extérieur est renforcé par l'intégration du bâtiment dans le paysage. De vastes terrasses s'étendent depuis la structure, offrant des vues panoramiques sur l'Hudson River. Ces espaces extérieurs constituent un point d'observation paisible d'où l'on peut contempler la rencontre entre la cité et l'eau.
Expositions et programmes de recherche
La Whitney Biennial demeure une présence centrale au sein de l'institution, agissant comme un véritable baromètre de l'état de l'art contemporain aux États-Unis. Depuis 1932, cette enquête récurrente fait office de fenêtre prophétique sur l'avenir, mettant en lumière le travail de talents émergents et suscitant les débats intenses qui définissent l'ère contemporaine. Le format actuel, une rétrospective de toutes les formes de médias se déroulant tous les deux ans, est en place depuis 1973.
Au-delà des salles d'exposition, le musée entretient d'importantes ressources archivistiques qui apportent un contexte historique essentiel au modernisme américain. La collection de recherche Edward et Josephine Hopper constitue le plus grand dépôt d'œuvres et de documents d'archives d'Edward Hopper. Ce travail est complété par l'archive Sanborn Hopper et la collection de recherche Arshile Gorky, qui préservent l'héritage de ces figures charnières. Ces collections permettent une étude approfondie de l'évolution du langage visuel américain.
Le Whitney Independent Study Program étend davantage le rayonnement de l'institution en soutenant l'étude théorique de la pratique contemporaine. Ce programme offre un socle aux artistes, critiques et historiens de l'art pour s'engager dans les discours complexes de l'ère moderne. À travers ces efforts conjugués d'exposition et de recherche rigoureuse, le musée continue de façonner la trajectoire de l'histoire de l'art américain.
Les chefs-d'œuvre de la collection
La collection permanente est un vaste panorama composé de plus de 25 000 peintures, sculptures, dessins, estampes, photographies, films, vidéos et artefacts de nouveaux médias. Cet ensemble magistral se consacre à la préservation de l'art américain des XXe et XXIe siècles, capturant avec une force singulière la rudesse de l'Ashcan School et la solitude envoûtante des paysages urbains d'Edward Hopper. Avec plus de 21 000 œuvres représentant plus de 3 500 artistes, ces collections offrent un témoignage continu et vibrant du langage visuel américain.
Se tenir face à ces œuvres, c'est être témoin de l'évolution même d'une identité nationale. La présence de la collection voyage du réalisme dépouillé du début du XXe siècle jusqu'aux installations multimédias complexes de l'époque contemporaine. Chaque pièce s'inscrit comme un instantané précis dans la longue trajectoire de la pensée moderne, allant du Pop Art provocateur d' Andy Warhol aux abstractions audacieuses de Georgia O’Keeffe.
Rocks, vers 1919 - Edward Hopper
Gran Cairo, 1962 - Frank Stella
War Series: The Letter, 1946 - Jacob Lawrence
Number 17, 1953 - Ad Reinhardt
The Subway, 1950 - George Clair Tooker
Bi-Polar in Red, 1940 - Theodore Roszak
