Künstler/in
Geboren in Altmar, Vereinigte Staaten
Frühes Leben und Karriere
Milton Clark Avery wurde am 7. März 1885 in Altmar, New York, geboren. Er zog 1898 nach Connecticut und später nach New York City. Als Sohn eines Gerbereis besorgte sich Avery mit verschiedenen Gelegenheitsjobs seinen Lebensunterhalt.
Künstlerische Entwicklung
Averys Interesse an der Kunst führte ihn dazu, Kurse am Connecticut League of Art Students in Hartford zu besuchen. Er übte das Malen im Verborgenen und erhielt eine konservative künstlerische Ausbildung. Ab 1917 arbeitete er nebenberuflich, um tagsüber malen zu können.
Ehe und Unterstützung
Im Jahr 1924 lernte Avery Sally Michel kennen, eine junge Kunststudentin, und sie heirateten 1926. Ihr Einkommen als Illustrator ermöglichte es ihm, sich stärker auf das Malen zu konzentrieren. 1932 wurde ihre Tochter March Avery geboren.
Aufstieg zur Bedeutung
Averys Durchbruch kam, als Roy Neuberger seine Arbeit entdeckte und beschloss, sie zu fördern. Neuberger kaufte über 100 von Averys Gemälden, darunter Gaspé Landscape, und lieh sie Museen auf der ganzen Welt oder spendete sie. Diese Aufmerksamkeit führte dazu, dass Avery zu einem hoch angesehenen und erfolgreichen Maler wurde.
Stil und Einflüsse
Averys Werk ist grundlegend für die amerikanische abstrakte Malerei und konzentriert sich auf Farbverhältnisse. Sein Stil war von französischem Fauvismus und deutschem Expressionismus beeinflusst; seine frühen Arbeiten ähnelten denen von Ernst Ludwig Kirchner. In den 1940er Jahren wurde Averys Stil dem von Henri Matisse ähnlicher, wobei er Farben mit großer Subtilität einsetzte.
Wichtige Werke:
Gaspé Landscape
Central Park
The Flight of Birds
Museen mit Averys Werken:
The Phillips Collection, Washington, D.C. view milton avery's artworks on AllPaintingsStore
Montefiore Hospital, New York
Bemerkenswerte Assoziationen:
Adolph Gottlieb
Mark Rothko
Vermächtnis und Tod
Avery starb am 3. Januar 1965 im Montefiore Hospital in der Bronx, New York. Er wurde auf dem Künstlerfriedhof in Woodstock, Ulster County, New York, beigesetzt. Nach seinem Tod spendete seine Witwe, Sally Avery, seine persönlichen Papiere dem Archives of American Art, einem Forschungsinstitut der Smithsonian Institution. explore more artists on AllPaintingsStore
Museum
Ausgestellt in Washington, D.C., Vereinigte Staaten von Amerika
Ursprung und Geschichte der Institution
Die Phillips Collection entsprang dem tiefen, persönlichen Wunsch, in ständiger Begleitung von Kunst zu leben. Gegründet von Duncan Phillips im Jahr 1921, nahm die Institution ihren Anfang, als er sein eigenes Familienhaus in eine Kunstgalerie verwandelte. Im Herzen des Dupont Circle Viertels in Washington, D.C. gelegen, wurde diese private, nicht staatliche Institution ins Leben gerufen, um eine unmittelbare Verbindung zwischen dem Betrachter und dem schöpferischen Geist zu fördern. Sie genießt das Privileg, als das erste Museum Amerikas gilt, das sich der modernen Kunst verschrieben hat.
Seit über einhundert Jahren wächst die Sammlung durch ein unerschütterliches Engagement für moderne und zeitgenössische Kunst stetig an. Die Wurzeln der Institution liegen im häuslichen Raum, in dem die Grenzen zwischen einem privaten Wohnsitz und einer öffentlichen Galerie bewusst verschwimmen. Dieser einzigartige Ursprung prägte eine Mission, die Kunst als eine lebendige Präsenz begreift und nicht als ein fernes Objekt der wissenschaftlichen Untersuchung. Die Sammlung entfaltete sich durch einen spontanen Ansatz beim Erwerb von Werken, wobei neue Kunstwerke oft auf ihre Beständigkeit hin geprüft wurden, um zu sehen, ob sie den Bestandteil eines fortwährenden, inneren Dialogs werden konnten.
Die Geschichte der Institution ist geprägt von einer tiefen Fokussierung auf die Evolution des künstlerischen Ausdrucks. Indem die Werke nach ihrem ästhetischen Temperament gruppiert werden, zeichnet die Sammlung eine Linie nach, die von den Einflüssen des neunzehnten Jahrhunderts bis in die Komplexität der Gegenwart reicht. Dieser besondere Ansatz ermöglichte es, Stimmen zu integrieren, die von der etablierten Kunstwelt des frühen zwanzigsten Jahrhunderts oft übersehen worden waren.
Das Gebäude und seine Architektur
Eingebettet im historischen Viertel Dupont Circle in Washington, D.C., residiert die Institution in einem originalen Anwesen im Georgian Revival Stil. Dieser Raum wurde nicht als öffentliche Einrichtung konzipiert, sondern entsprang dem privaten Heim von Duncan Phillips. Dieser häusliche Ursprung prägt die Atmosphäre bis heute maßgeblich, da die Galerie einen Teil des eigentlichen Wohnhauses einnimmt. Die Architektur bewahrt ein Gefühl der Intimität und pflegt einen Charakter, der eher an ein bewohntes Heim als an ein steriles Museum erinnert. Es ist ein Refugium für die schönen Künste, in dem die Grenzen zwischen privatem Wohnraum und öffentlichem Raum bewusst fließend bleiben.
Im Laufe der Jahre wurde das Gebäude mit Bedacht erweitert, um der stetig wachsenden Sammlung gerecht zu werden. Diese Anbauten wurden so integriert, dass sie das bestehende Maß des Hauses respektieren und die oft einschüchternden Proportionen größerer Institutionen vermeiden. Das Ergebnis ist eine Abfolge von Räumen, die zur stillen Kontemplation einladen. Man findet sich womöglich vor einer Leinwand in einer Umgebung wieder, die sich zutiefst persönlich und geborgen anfühlt. Die Anordnung der Räumlichkeiten fördert einen Dialog zwischen der Architektur und den Kunstwerken, die sie beherbergt, und stellt sicher, dass die Umgebung ein Heiligtum für all jene bleibt, die eine unmittelbare Begegnung mit der Kunst suchen.
Meisterwerke der Sammlung
Die Sammlung umfasst fast 6.000 Werke, die einen kunstvollen Pfad von den Einflüssen des neunzehnten Jahrhunderts bis hin zu den wegweisenden Entwicklungen der Moderne nachzeichnen. Pierre-Auguste Renoir’s Luncheon of the Boating Party, das bereits 1923 erworben wurde, bildet eine zentrale, pulsierende Präsenz innerhalb der Galerien. Dieses Werk ist Teil einer bedeutenden Zusammenstellung impressionistischer und postimpressionistischer Leinwände, die auch Meisterwerke von Monet, Degas und Van Gogh umfasst. Die Anwesenheit von Cézanne und Courbet schafft dabei das fundamentale Fundament für die radikaleren stilistischen Umbrüche, die in der Folgezeit folgen.
Die Evolution von Form und Farbe offenbart sich eindrucksvoll in den Werken von Matisse, Picasso und Braque. Diese Künstler verkörpern die Bewegung hin zur Abstraktion und die gleichzeitige Befreiung der Farbe. Ein bedeutender Meilenstein in der Geschichte der Sammlung war das Jahr 1957, als das erste Gemälde von Mark Rothko erworben wurde, was eine ästhetische Hinwendung zur Kunst der Mitte des Jahrhunderts markierte. Der subtile Dialog zwischen diesen unterschiedlichen Epochen wird durch die sorgfältige Inszenierung der Werke verschiedenster Meister aufrechterhalten.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, um 1886
St. Francis in Ecstasy
Ausstellungen und Forschung
Die Institution fungiert als eine Art Experimentierstation – ein Ort, an dem neue Ideen durch die gezielte Anordnung der Werke auf die Probe gestellt werden. Anstatt auf statische Ausstellungen zu setzen, werden die Galerien häufig neu arrangiert, um neue Dialoge zwischen den einzelnen Exponaten zu ermöglichen. Diese Dynamik erlaubt eine ständige Neubewertung dessen, wie verschiedene Stile und Epochen innerhalb des Raumes miteinander interagieren. Flankierend zur permanenten Sammlung finden Sonderausstellungen statt, die eine sich ständig wandelnde Perspektive auf die Geschichte der modernen Kunst eröffnen.
Trotz der ständigen Veränderung in den Galerien existiert ein Gefühl der Beständigkeit, das sich am deutlichsten im Rothko Room manifestiert. Diese permanente Installation bietet einen dedizierten Raum für die Kontemplation, der sich bewusst von den wechselnden Ausstellungen abhebt. Über das rein visuelle Erlebnis hinaus widmet sich die Institution dem gesellschaftlichen Engagement durch preisgekrönte Bildungsprogramme. Diese Initiativen zielen darauf ab, eine tiefere Verbindung zwischen der Öffentlichkeit und dem schöpferischen Geist zu stiften, der in diesen Mauern lebendig ist.
