Katalog-Dossier: second phase chief

Künstler/in

Jim Dine

Geboren in Cincinnati, Vereinigte Staaten

Frühes Leben und Ausbildung

Geboren: Cincinnati, Vereinigte Staaten von Amerika (1935)

Jim Dines künstlerische Reise begann in Cincinnati, Ohio. Er besuchte die Walnut Hills High School und anschließend die University of Cincinnati.

Im Jahr 1953 vertiefte er seine Ausbildung mit Abendkursen an der Art Academy of Cincinnati unter der Anleitung des einflussreichen Lehrers Paul Chidlaw.

Er erhielt einen BFA von der Ohio University im Jahr 1957, was den Grundstein für seine zukünftigen künstlerischen Bemühungen legte.

Aufstieg der Happenings und Pionier der Pop Art

Dine erlangte zunächst Anerkennung für seine innovativen "Happenings", kollaborative Performances mit Künstlern wie Claes Oldenburg, Allan Kaprow und dem Musiker John Cage. Diese chaotischen Ereignisse standen im krassen Gegensatz zur vorherrschenden Expressionismus-Stimmung in der New Yorker Kunstwelt.

Sein erstes Happening, “30-second the smiling worker”, wurde 1959 aufgeführt.

Im Jahr 1962 wurden Dines Werke in der bahnbrechenden Ausstellung "New Painting of Common Objects" im Norton Simon Museum gezeigt, zusammen mit namhaften Künstlern wie Roy Lichtenstein und Andy Warhol. Diese Ausstellung gilt historisch als eine der ersten bedeutenden Pop-Art-Ausstellungen in Amerika.

Diese Aufnahme festigte seinen Platz innerhalb der aufstrebenden Pop Art Bewegung, die traditionelle Kunstformen herausforderte und soziale Unruhen widerspiegelte.

Assemblage und autobiografische Werke

In den frühen 1960er Jahren begann Dine, Alltagsgegenstände, insbesondere Werkzeuge mit persönlicher Bedeutung, in seine Leinwände zu integrieren.

Job #1 (1962), das sich in der Sammlung des Honolulu Museum of Art befindet, veranschaulicht diesen Ansatz und zeigt Farbdosen, Pinsel, einen Schraubenzieher und ein Stück Holz.

Obwohl diese Werke sowohl kommerziellen als auch kritischen Erfolg erzielten, äußerte Dine Unzufriedenheit mit dieser Phase.

Ein bemerkenswerter Vorfall ereignete sich 1966, als die Polizei eine Ausstellung seiner Arbeiten in der Londoner Galerie von Robert Fraser stürmte, was zu rechtlichen Schritten und weiterer Prüfung seines künstlerischen Ausdrucks führte.

Spätere Entwicklung und Anerkennung

Nach seinem Umzug nach London im Jahr 1967 setzte Dine seine Kunstentwicklung unter der Vertretung von Fraser für vier Jahre fort.

Bei seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten im Jahr 1971 konzentrierte er sich auf eine Reihe von Zeichnungen.

Seit 1976 wird er von Pace Gallery vertreten.

In den 1980er Jahren erlebte seine Arbeit eine Wiederbelebung der Skulptur, gefolgt von einer Verschiebung hin zur Darstellung der Natur anstelle von vom Menschen geschaffenen Objekten.

Dines Einfluss reicht über die Kunstwelt hinaus; es wird berichtet, dass James Rado, Co-Autor des Musicals "Hair", den Namen der Show auf ein Dine-Werk mit dem Titel “Hair” zurückführte.

Auszeichnungen und öffentliche Kunst

Das Virginia Museum of Fine Arts erwarb sechs Werke von Dine und lud ihn 1983 dazu ein, Juror in „der nächsten jurysierten Ausstellung“ im VMFA zu sein.

Im Jahr 1984 zeigte das Walker Art Center seine Arbeit als "Jim Dine: five themes".

Er wurde 1983 zum assoziierten Mitglied der National Academy of Design gewählt und 1994 zum ordentlichen Akademiker.

Bemerkenswerte öffentliche Kunstinstallationen sind eine neun Meter hohe Bronzeskulptur, “Walking to Borås”, die 2008 der Stadt Borås, Schweden, präsentiert wurde und Pinocchio darstellt. Eine weitere große Bronzeskulptur von Pinocchio befindet sich im Cincinnati Art Museum.

Das "Technicolor Heart", eine 12 Fuß hohe Silikonbronze-Skulptur, die mit Öl Emaille bemalt ist, steht auf dem Campus der Washington State University.

Museum

The Phillips Collection

Ausgestellt in Washington, D.C., Vereinigte Staaten von Amerika

Ursprung und Geschichte der Institution

Die Phillips Collection entsprang dem tiefen, persönlichen Wunsch, in ständiger Begleitung von Kunst zu leben. Gegründet von Duncan Phillips im Jahr 1921, nahm die Institution ihren Anfang, als er sein eigenes Familienhaus in eine Kunstgalerie verwandelte. Im Herzen des Dupont Circle Viertels in Washington, D.C. gelegen, wurde diese private, nicht staatliche Institution ins Leben gerufen, um eine unmittelbare Verbindung zwischen dem Betrachter und dem schöpferischen Geist zu fördern. Sie genießt das Privileg, als das erste Museum Amerikas gilt, das sich der modernen Kunst verschrieben hat.

Seit über einhundert Jahren wächst die Sammlung durch ein unerschütterliches Engagement für moderne und zeitgenössische Kunst stetig an. Die Wurzeln der Institution liegen im häuslichen Raum, in dem die Grenzen zwischen einem privaten Wohnsitz und einer öffentlichen Galerie bewusst verschwimmen. Dieser einzigartige Ursprung prägte eine Mission, die Kunst als eine lebendige Präsenz begreift und nicht als ein fernes Objekt der wissenschaftlichen Untersuchung. Die Sammlung entfaltete sich durch einen spontanen Ansatz beim Erwerb von Werken, wobei neue Kunstwerke oft auf ihre Beständigkeit hin geprüft wurden, um zu sehen, ob sie den Bestandteil eines fortwährenden, inneren Dialogs werden konnten.

Die Geschichte der Institution ist geprägt von einer tiefen Fokussierung auf die Evolution des künstlerischen Ausdrucks. Indem die Werke nach ihrem ästhetischen Temperament gruppiert werden, zeichnet die Sammlung eine Linie nach, die von den Einflüssen des neunzehnten Jahrhunderts bis in die Komplexität der Gegenwart reicht. Dieser besondere Ansatz ermöglichte es, Stimmen zu integrieren, die von der etablierten Kunstwelt des frühen zwanzigsten Jahrhunderts oft übersehen worden waren.

Das Gebäude und seine Architektur

Eingebettet im historischen Viertel Dupont Circle in Washington, D.C., residiert die Institution in einem originalen Anwesen im Georgian Revival Stil. Dieser Raum wurde nicht als öffentliche Einrichtung konzipiert, sondern entsprang dem privaten Heim von Duncan Phillips. Dieser häusliche Ursprung prägt die Atmosphäre bis heute maßgeblich, da die Galerie einen Teil des eigentlichen Wohnhauses einnimmt. Die Architektur bewahrt ein Gefühl der Intimität und pflegt einen Charakter, der eher an ein bewohntes Heim als an ein steriles Museum erinnert. Es ist ein Refugium für die schönen Künste, in dem die Grenzen zwischen privatem Wohnraum und öffentlichem Raum bewusst fließend bleiben.

Im Laufe der Jahre wurde das Gebäude mit Bedacht erweitert, um der stetig wachsenden Sammlung gerecht zu werden. Diese Anbauten wurden so integriert, dass sie das bestehende Maß des Hauses respektieren und die oft einschüchternden Proportionen größerer Institutionen vermeiden. Das Ergebnis ist eine Abfolge von Räumen, die zur stillen Kontemplation einladen. Man findet sich womöglich vor einer Leinwand in einer Umgebung wieder, die sich zutiefst persönlich und geborgen anfühlt. Die Anordnung der Räumlichkeiten fördert einen Dialog zwischen der Architektur und den Kunstwerken, die sie beherbergt, und stellt sicher, dass die Umgebung ein Heiligtum für all jene bleibt, die eine unmittelbare Begegnung mit der Kunst suchen.

Meisterwerke der Sammlung

Die Sammlung umfasst fast 6.000 Werke, die einen kunstvollen Pfad von den Einflüssen des neunzehnten Jahrhunderts bis hin zu den wegweisenden Entwicklungen der Moderne nachzeichnen. Pierre-Auguste Renoir’s Luncheon of the Boating Party, das bereits 1923 erworben wurde, bildet eine zentrale, pulsierende Präsenz innerhalb der Galerien. Dieses Werk ist Teil einer bedeutenden Zusammenstellung impressionistischer und postimpressionistischer Leinwände, die auch Meisterwerke von Monet, Degas und Van Gogh umfasst. Die Anwesenheit von Cézanne und Courbet schafft dabei das fundamentale Fundament für die radikaleren stilistischen Umbrüche, die in der Folgezeit folgen.

Die Evolution von Form und Farbe offenbart sich eindrucksvoll in den Werken von Matisse, Picasso und Braque. Diese Künstler verkörpern die Bewegung hin zur Abstraktion und die gleichzeitige Befreiung der Farbe. Ein bedeutender Meilenstein in der Geschichte der Sammlung war das Jahr 1957, als das erste Gemälde von Mark Rothko erworben wurde, was eine ästhetische Hinwendung zur Kunst der Mitte des Jahrhunderts markierte. Der subtile Dialog zwischen diesen unterschiedlichen Epochen wird durch die sorgfältige Inszenierung der Werke verschiedenster Meister aufrechterhalten.

Luncheon of the Boating Party, 1881

Dancers at the Barre 1, 1888

The Repentant Peter, 1600

The Red Sun, 1948

Le Moulin de la Galette, um 1886

St. Francis in Ecstasy

Ausstellungen und Forschung

Die Institution fungiert als eine Art Experimentierstation – ein Ort, an dem neue Ideen durch die gezielte Anordnung der Werke auf die Probe gestellt werden. Anstatt auf statische Ausstellungen zu setzen, werden die Galerien häufig neu arrangiert, um neue Dialoge zwischen den einzelnen Exponaten zu ermöglichen. Diese Dynamik erlaubt eine ständige Neubewertung dessen, wie verschiedene Stile und Epochen innerhalb des Raumes miteinander interagieren. Flankierend zur permanenten Sammlung finden Sonderausstellungen statt, die eine sich ständig wandelnde Perspektive auf die Geschichte der modernen Kunst eröffnen.

Trotz der ständigen Veränderung in den Galerien existiert ein Gefühl der Beständigkeit, das sich am deutlichsten im Rothko Room manifestiert. Diese permanente Installation bietet einen dedizierten Raum für die Kontemplation, der sich bewusst von den wechselnden Ausstellungen abhebt. Über das rein visuelle Erlebnis hinaus widmet sich die Institution dem gesellschaftlichen Engagement durch preisgekrönte Bildungsprogramme. Diese Initiativen zielen darauf ab, eine tiefere Verbindung zwischen der Öffentlichkeit und dem schöpferischen Geist zu stiften, der in diesen Mauern lebendig ist.