Künstler/in
Geboren in Hartford, Vereinigte Staaten
Frühes Leben und Ausbildung
Dwight William Tryon wurde am 13. August 1849 in Hartford, Connecticut, als Sohn von Anson Tryon und Delia O. Roberts geboren.
Der frühe Tod seines Vaters führte dazu, dass er nach dem Tod des Vaters von seiner Mutter auf dem Bauernhof seiner Großeltern in East Hartford aufgezogen wurde.
Er entwickelte ein natürliches Interesse an der Kunst, indem er Kunstlehrbücher aus einem Buchladen studierte, in dem er arbeitete.
Tryon begann in seiner Freizeit, die umliegende Landschaft zu skizzieren.
Er verkaufte 1870 sein erstes Gemälde und stellte es lokal aus, bevor er 1873 an der National Academy of Design Anerkennung fand.
Künstlerische Entwicklung und Einflüsse
1876 studierte Tryon formell Kunst in Frankreich unter Jacquesson de la Chevreuse und an der École des Beaux-Arts. Er erhielt auch Unterricht von Charles-François Daubigny, Henri Harpignies und Jean Baptiste-Antoine Guillemet.
Anfangs neigte sein Stil zum Luminismus, bevor er sich der Barbizon-Schule zuwandte, beeinflusst von Künstlern wie George Inness und Alexander Helwig Wyant.
Trotz seiner Exposition gegenüber dem Impressionismus in Frankreich blieb Tryon seinem Barbizon-Ästhetik treu.
Seine Arbeit wurde maßgeblich von James McNeill Whistler beeinflusst, was sich in seinem Tonalistenstil zeigt.
Reifer Stil und bemerkenswerte Werke
Ende der 1880er Jahre entwickelte Tryon seinen ikonischen Stil, der durch eine Gruppe oder Reihe gebrochener Bäume im mittleren Abstand gekennzeichnet ist, oft mit Herbsttönen, die einen leuchtenden Himmel über und eine sumpfige oder weidliche Vordergrund unterteilen.
Er malte häufig Seelandschaften mit Pastellfarben, um weitläufiges Wasser, Himmel und Strände unter verschiedenen Wetterbedingungen darzustellen.
Bemerkenswerte Werke sind Salt-Marsh, December, das beim Tennessee Centennial Exposition 1897 den ersten Preis gewann.
Seine Gemälde wurden landesweit ausgestellt, wobei er eine Vorliebe für die Pennsylvania Academy of Fine Arts und die Montross Gallery hatte.
Förderung und Anerkennung
Charles Lang Freer wurde Tryons wichtigster Förderer, der Dutzende seiner Werke erwarb und mit ihm an der Innenraumgestaltung für sein Haus in Detroit zusammenarbeitete. Viele dieser Gemälde befinden sich heute in der Freer Gallery of Art.
Tryon erhielt 1908 den Carnegie Prize bei der Carnegie Exhibition.
Er war Mitglied mehrerer angesehener Kunstorganisationen, darunter die Society of American Artists, die American Watercolor Society und das National Institute of Arts and Letters (jetzt die American Academy of Arts and Letters).
Späteres Leben und Vermächtnis
1887 baute er ein Sommerhaus in South Dartmouth, Massachusetts, das zu seinem Zuhause wurde.
Er unterrichtete von 1886 bis 1923 am Smith College und gründete die Tryon Gallery of Art.
Dwight William Tryon starb am 1. Juli 1925 an Krebs.
Sein Vermächtnis liegt in seinem Beitrag zum amerikanischen Tonalismus und seiner Fähigkeit, atmosphärische Landschaften und Seelandschaften mit zarter Farbe und verfeinertem Gefühl einzufangen. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Sammlungen wie dem Smithsonian American Art Museum und der Freer Gallery of Art.
Museum
Ausgestellt in New York, Vereinigte Staaten von Amerika
Ursprung und Geschichte des Metropolitan Museum of Art
Das Metropolitan Museum of Art nahm seinen Anfang mit einer Vision, die von einer Gruppe von Geschäftsleuten, Finanzierern sowie führenden Künstlern und Denkern getragen wurde. Nach seiner Gründung im Jahr 1870 suchte die Institution nach einem dauerhaften Heim, um ihre stetig wachsende Sammlung unterzubringen. Bevor das Museum seinen heutigen Standort bezog, war es kurzzeitig im Anwesen der Douglas Mansion in der West 14th Street untergebracht. Diese frühe Phase war eine Zeit der stillen Formierung, in der die Sammlung durch das unermüdliche Engagement ihrer Gründer allmählich Gestalt annahm.
Im Jahr 1872 öffnete das Museum seine Pforten in der 681 Fifth Avenue. Der erste Standort war in seinem Ausmaß noch bescheiden und beherbergte weniger als 200 europäische Gemälde. Aus diesen bescheidenen Anfängen heraus ist die Institution über die Jahrzehnte hinweg enorm gewachsen und hat seit 1872 mehr als 1,5 Millionen Kunstwerke gesammelt. Die Präsenz dieser Objekte schafft eine greifbare Verbindung zu den Ambitionen des neunzehnten Jahrhunderts, als sich das Museum von einer kleinen Ansammlung von Gemälden zu einem gewaltigen Hort menschlicher Kreativität wandelte.
Die Architektur des Standorts an der Fifth Avenue
Das Hauptgebäude ist eine prachtvolle Verkörperung des Beaux-Arts-Stils, die zwischen 1902 und 1914 vollendet wurde. Kolossale Säulen rahmen den Eingang ein und schaffen ein Gefühl von Monumentalität, das direkt auf die Straße trifft. Dieses imposante Bauwerk wurde entworfen, um das Gefühl europäischer Paläste zu evozieren und inmitten der sich ständig wandelnden Metropole ein Gefühl von Beständigkeit zu vermitteln. Der Eingang lädt zu einem Übergang vom urbanen Treiben in lichtdurchflutete, hoch aufragende Galerien ein.
Innerhalb der heutigen Gebäudestruktur bleiben Spuren einer früheren Ära erhalten. Das ursprüngliche Gebäude an der Fifth Avenue, entworfen von Calvert Vaux und Jacob Wrey Mould, zeichnete sich durch eine Fassade aus rotem Backstein aus. Obwohl ein Großteil des ursprünglichen Entwurfs durch spätere Erweiterungen absorbiert wurde, ist die Westfassade dieses Gebäudes noch heute im Robert Lehman Wing sichtbar. Dieses Fragment bietet eine stille Verbindung zur früheren architektonischen Identität des Museums.
Vielfältige Sammlungen über fünf Jahrtausende hinweg
Das Gewicht von fünftausend Jahren menschlicher Kreativität ruht in diesen Mauern, zum Ausdruck gebracht durch über zwei Millionen Kunstobjekte. Das Ausmaß dieser Ansammlung ermöglicht eine stille Begegnung mit der fernen Vergangenheit. Man findet die Sammlung für griechische und römische Kunst mit 30.000 Werken, in der der Marmor-Kouros in der Galerie 154 alle Blicke auf sich zieht. Diese lebensgroße Figur aus dem sechsten Jahrhundert v. Chr. wiegt eine Tonne und balanciert ihre immense Masse auf Beinen, die fast vollkommen gerade stehen.
Die Breite der Bestände erstreckt sich bis in die Welten der afrikanischen, ozeanischen und amerikanischen Kunst und bietet eine Präsenz aus vielen verschiedenen Winkeln des Globus. Innerhalb der Cesnola Collection eröffnen etwa 35.000 zypriotische Kunstobjekte ein spezifisches Fenster in den Mittelmeerraum. Diese Stücke, die von Luigi Palma di Cesnola erworben wurden, stellen einen bedeutenden Teil der antiken Bestände der Institution dar.
Blauglasierte, mit Lotus veredelte Flusspferd-Statuette, ca. 1961–1878 v. Chr.
In Stein gehauene assyrische Reliefs
Parthenon-Marmor
Meisterwerke der ständigen Sammlung
Die Präsenz der Parthenon-Marmore ermöglicht eine unmittelbare Begegnung mit der klassischen Antike. Ganz in der Nähe bietet eine blau glasierte, mit Lotusblüten verzierte Nilpferd-Statuette aus Ägypten, die etwa auf 1961–1878 v. Chr. datiert wird, ein völlig anderes Gefühl für Maßstab und Bestimmung. Diese Objekte existieren in einem Raum, der das gewaltige Gewicht von fünf Jahrtausenden in sich trägt.
Die Moderne bricht mit der schieren physischen Wucht von Jackson Pollocks Autumn Rhythm (Number 30) hervor. Die Leinwand misst acht Fuß Höhe und siebzehn Fuß Länge und präsentiert ein Geflecht aus Farbtropfen, das die gesamte Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zieht. In anderen Winkeln bleibt die Intensität von Vincent Van Goghs Selbstbildnis mit Strohhut ein zentraler Anziehungspunkt, wo kontrollierte Pinselstriche die Augen umkreisen. Pablo Picassos Porträt von Gertrude Stein deutet bereits seine Entwicklung hin zum Kubismus an und fängt einen ganz spezifischen Moment innerhalb der amerikanischen Expat-Gemeinschaft in Paris ein.
Autumn Rhythm (Number 30)
Selbstbildnis mit Strohhut
Gertrude Stein
Bemerkenswerte Kunst und künstlerische Bewegungen
Die Sammlung spiegelt das wechselvolle Empfinden verschiedener Epochen wider, von der formellen Eleganz des Gilded Age bis hin zu den komplexen Ausdrucksformen der Gegenwart. Während des Gilded Age orientierten sich viele Werke an der europäischen Kultur und Ästhetik und hielten so die sozialen Ambitionen einer neureichen Ära fest. John Singer Sargent’s Mr. and Mrs. I.N. Phelps Stokes ist ein Paradebeispiel für diese Periode; es demonstriert die technische Präzision und die soziale Präsenz, die von einem erfolgreichen Porträtmaler erwartet wurden. Das Gemälde fängt durch seine sorgfältige Komposition und die Aufmerksamkeit für den Charakter einen ganz spezifischen Moment des amerikanischen Lebens ein.
Die Moderne und der zeitgenössische Ausdruck finden ihren Platz sowohl in den Galerien als auch an der Fassade des Gebäudes selbst. Das Museum würdigt zeitgenössische Persönlichkeiten wie Wangechi Mutu, deren humanoide Skulpturen Nischen an der Außenwand besetzen. Diese Werke schlagen eine Brücke zwischen der beständigen Architektur und dem sich ständig weiterentwickelnden Dialog der modernen Kunst. Die Präsenz solcher Figuren stellt sicher, dass die Institution fest mit der aktuellen künstlerischen Landschaft verwurzelt bleibt.
Portrait of Jeanne Hebuterne, 1918 - Amedeo Clemente Modigliani
Self-Portrait with a Straw Hat - Vincent Van Gogh
Autumn Rhythm (Number 30) - Jackson Pollock
Gertrude Stein - Pablo Picasso
Kulturelle Ereignisse und gesellschaftliche Zusammenkünfte
Die Institution fungiert als ein pulsierendes Zentrum für soziale und kulturelle Begegnungen, das die Brücke zwischen historischer Beständigkeit und dem rastlosen Rhythmus des Lebens in Manhattan schlägt. Jedes Jahr markiert der erste Montag im Mai die Met Gala – ein Ereignis, das weltweit als die bedeutendste Nacht der Modewelt gefeiert wird. In den prachtvollen Hallen des Museums kommen Designer und Stars zusammen, um einen Abend voller höchster Glamour-Ästhetik zu erleben, der die Grenzen zwischen Kunst und Gesellschaft verschwimmen lässt.
Doch jenseits dieser singulären Spektakel bewahrt das Museum einen stetigen Rhythmus der Verbundenheit mit der Stadt. An Freitag- und Samstagabenden öffnen sich die Säle für die „Date Night at the Met“, die eine ganz andere, intimere Form der Auseinandersetzung mit den Sammlungen ermöglicht. Diese wiederkehrenden Programme stellen sicher, dass der Ort ein lebendiger Teil des lokalen sozialen Gefüges bleibt – ein Raum, der sich stetig zwischen der Intensität eines globalen Mode-Events und der sanften Stille eines Wochenendabends bewegt.
