Autor
Narozen(a) v Daugavpils, Lotyšsko
Raný život Marka Rothka
Mark Rothko se narodil jako Markus Yakovlevich Rothkowitz v roce 1903. Jeho kořeny sahají do Dvinska v Rusku, v místě, kterému se dnes říká Daugavpils v Lotyšsku. Jeho rodina žila v rámci tzv. pásma osídlení, oblasti stíněné politickými nepokoji a neustálým hrozbami pogromů. Tato atmosféra nejistoty doprovázela jeho rodinu i při emigraci do Spojených států v roce 1913. Po přeplavbě přes Ellis Island se usadili v Portlandu v Oregonu.
Jeho otec, Jacob, pracoval jako lékárník. Byl to intelektuál se socialistickými sklony, který v domácnosti pěstoval prostředí založené na učení a intelektuálních debatách. Tento svět hlubokých myšlenek však byl přerušen náhlou ztrátou. Krátce po příchodu rodiny do Ameriky Jacob zemřel na rakovinu tlustého střeva. Tato raná zkušenost smutku a náročnost imigrantského života se stala tichým základem pro muže, kterým se Rothko stal.
Umělecké vzdělání a raná léta v New Yorku
Stěhovnictví do New Yorku v roce 1923 přineslo zásadní změnu v jeho zaměření. Po období stráveném na Yale University ho však neodolovatelný magnet velkoměsta vytáhl z náruče formálního akademického studia. Aby si zdokonalil svůj řemeslo, vydal se do Art Students League. V těchto raných letech se jeho štětec věnoval tomu, co je hmatatelné a konkrétní. Maloval portréty a městské scény, věnujíc pečlivou pozornost detailům lidských tváří i syrovosti městských ulic. Jeho tvorba byla pevně zakotvena v realismu, který zachycoval fyzický svět ještě předtím, než v něm nastal hluboký zvrat směrem k abstrakci.
K roku 1940 se pak rozhodl pro zásadní krok – změnu svého jména na Mark Rothko. Bylo to období transformace, kdy se vzdal strukturované reprezentace své mladistvé tvorby. Jeho pozornost se začala odklonit od rozpoznatelných předmětů města směrem k něčemu mnohem méně definovanému. Hledal způsob, jak vyjádřit tíhu lidské zkušenosti, aniž by se musel spoléhat na doslovné tvary světa, který ho obklopoval.
Evoluce směrem k abstraktnímu expresionismu
S postupem 40. let začal pečlivý realism jeho raných let ustupovat do pozadí. Pohled umělce se začal vzdalovat od rozpoznatelných detailů městských scén a portrétů. Místo toho se obrátil k jazyku surrealismu a mytologie. Tyto motivy využil jako prostředek k vyjádření tíhy lidských emocí. Díla z tohoto období často obsahovala biomorfní tvary, které se zdály vznášet v neustálém stavu mezi figurativností a čistou abstrakcí.
Tento období označuje jeho spojenost s hnutím amerického abstraktního expresionismu. Mark Rothko se vzdaloval od strukturovaného světa objektů, aby začal zkoumat něco mnohem vnitřnějšího. Plátna se přestala soustředit na to, jak věc vypadá, a začala se zajímat o to, jaký pocit v sobě nese. Hledal způsob, jak skrze tvar a mýtus komunikovat komplexitu lidské existence.
Mother and Child (1934)
The Pugilist
The High Priest (1945)
Vývoj Color Field Painting
K konci 40. let se jeho tvorba začala zásadně měnit. Mark Rothko se vzdal figurativních tvarů a narativů z mytologie, aby zbavil plátna rozpoznatelných obrazů a našel něco mnohem přímějšího. Rozměry jeho pláten se zvětšovaly a byla ovládána velkými, obdélníkovými bloky barvy, které se zdály vznášet v prostoru. Tyto tvary na povrch jen tak neseděly; působily, jako by existovaly uvnitř mělkého, dýchajícího prostoru. Tento posun znamenal počátek jeho zralého období, času úzce spjatého s vz emergence stylu Color Field painting.
Aplikace barvy byla pomalým, vrstveným procesem. Používal tenké glazury pigmentu k budování povrchu, čímž vytvářel jemné proměny tónu i textury. Tyto vrstvy způsobovaly, že světlo působilo, jako by vycházelo zevnitř plátna. Okraje barevných tvarů nikdy nebyly ostré; byly naopak rozmazané a měkké, což činilo hranice mezi jednotlivými odstíny průchoznými. Tato metoda proměnila plátno v místo tiché a vážné přítomnosti.
No. 1
Three
No. 3/No. 13
No. 10 (Brown Black Sienna on Dark Wine)
Magenta, Black, Green on Orange
White over Red
Technika a jazyk barvy
Jeho tvorba stojí na specifické, tiché metodě vrstvení. Nanášel tenké lazury olejových barev a postupně budoval povrch prostřednictvím precizních, průsvitných vrstev. Tento proces vytváří sametovou texturu, která má zdálo, že světlo zadržuje uvnitř pigmentu, místo aby se od povrchu pouze odráželo. Místo ostrých linií jsou okraje jeho obdélníkových forem rozmazané, což umožňuje barvám, aby se vzájemně prolívaly a vznášely se jedna nad druhou. Tyto rozlohavé bloky barev mají za účel vytvořit pocit hloubky, díky němuž se plátno zdá, že dýchá.
Mark Rothko se zbavil názvosloví, které by mohlo naznačovat konkrétní téma nebo narativ. Mnoho pláten nese pouze prostá čísla, jako například No. 1 nebo No. 6, čímž nechává diváka, aby čelil barvě bez jakýchkoliv předsudků. Toto rozhodnutí vynucuje přímé setkání s barvou. Tyto zářivé plochy využíval k tomu, aby se dotkl konkrétních, těžkých lidských emocí: tragédie, ekstáze a zoufalství. Rozměry jeho děl jsou záměrně navrženy tak, aby člověka stojícího před nimi zcela obklopily a proměnily akt pozorování v tichý, imerzivní zážitek.
No. 10 (Brown Black Sienna on Dark Wine)
No. 37 or No. 19
White over Red
Významná zakázková díla a muralní projekty
Tvůrčí dílo Marka Rothka se často vymykalo hranicím jednotlivých pláten a mířilo k tomu, aby ovládlo celé prostory. Velmi mnoho času věnoval tvorbě tzv. Seagramových muralů, což byla série obrazů určených pro restauraci v New Yorku. Nakonec se však rozhodl, že toto prostředí není pro jeho dílo vhodné, a tyto plakáty daroval galerii Tate Gallery v Londýně. Jeho fascinace tím, jak barva zaplňuje prostor, jej vedla i k vytvoření série muralů pro Harvard, které byly vytvořeny pro jídelnu v Holyoke Center.
V Houstonu v Texasu zanechal čtrnáct obrazů pro Rothkovu kapli. Tento nekonfesní prostor hostí díla v nejrůznějších odstínech černé. Obrazy jsou v něm rozmístěny tak, aby zapadly do architektury kaple a vytvořily specifické prostředí pro tiché zamyšlení. Obrazová plocha těchto děl je záměrně měřítkově nastavena tak, aby se setkala s divákem přesně tam, kde stojí, a zaplnila jeho periferní vidění čistou barvou.
Pozdní léta a tragická smrt
Tíha jeho vlastního díla se nad ním často zdála neúnosně přitlačovat. Během celého svého života se Mark Rothko zápasil s depresí, která byla neustálým stínem doprovázejícím jeho hledání emocionální pravdy. Žil skromným životem a často se stahoval do tichých prostor, které vyžadovaly jeho monumentální plátna. Intenzita jeho soustředění na lidskou existenci – na tragédii, ekstázi a zoufalství – nebyla pouze tématem pro jeho štětec, ale realitou, kterou nosil hluboko v sobě.
Konec jeho života přinesl boj, který už nešel unést. 25. února 1970 se Mark Rothko v raně vlastním studiu ujal svého života. Bělo mu 66 let. Jeho smrt zanechala za sebou obrovskou sbírku děl, včetně mnoha nedokončených pláten a rozsáhlého dědictví obrazů, které musela jeho rodina i vykonavatelé později řešit v rámci složitých právních sporů.
Trvalý odkaz jeho umění
Hmotnost jeho přítomnosti zůstává v tom, jak jeho plátna ovládají celý prostor místnosti. Zanechal po sobě pozemek obsahující 798 obrazů, což je obrovská sbírka, která nadále tvoří pilíř moderní dějin umění. Jeho posun směrem k velkým, zářivým obdélníkům barvy pomohl definovat hnutí abstraktního expresionismu a později ovlivnil i minimalistické smetání. Tato díla nespoléhají na rozpoznatelné tvary, aby udržela pozornost diváka; místo toho využívají pomalé, rytmické dýchání barvy k vytvoření hlubokého pocitu prostoru.
Jeho vliv je patrný v tom, jak následné generace začaly vnímat plátno jako prostor pro psychologické a spirituální zkoumání. Odstraněním narativního chaosu změnil způsob, jakým lidé interagují s fyzickou realitou barvy. Jeho malby jsou uznávány za některé z nejvýznamnějších děl 20. století a často jsou zastoupeny v trvalých sbírkách významných institucí, jako je Museum of Modern Art v New Yorku a Tate Modern v Londýně. Rozsah jeho děl často zcela pohltí periferní vidění a vynutí si tichý, meditační klid.
No. 6 (Violet, Green and Red)
Orange, Red, Yellow (1961)
N.10 (1958)
Kde dnes spatřit jeho díla
Stát před jeho plátny znamená zažít tíhu barvy v tichém prostoru. V New Yorku uchovává několik jeho děl Muzeum moderního umění. Přes Atlantik nabízí Tate Modern v Londýně podobný prostor, kde si lze v klidu sednout a kontemplovat jeho velkoformní tvary. Ve Washingtonu, D.C., spravuje National Gallery of Art sbírku jeho obrazů, kde světlo dopadá na vrstvené pigmenty způsobem, který odhaluje hloubku, jejímž cílem bylo skrze tenké olejové glazury.
V kapli Rothkova oltáře v Houstonu v Texasu se nachází zvláštní druh nehybnosti. Je to nekonfesní prostor, který obsahuje čtrnáct jeho obrazů v různých odstinech černé. Architektura budovy, osmiúhelník zapsaný do řeckého kříže, byla ovlivněna samotným umělcem. Zůstává místem pro tiché zamyšlení, kde je měřítko děl navrženo tak, aby člověka stojícího před nimi zcela obklopilo.
V Latvku, ve Daugavpilsi, je Rothkovo muzeum umístěno v historické budově dělostřelecké arzenálu daughavpilské pevnosti. Tato instituce je jediným místem v Evropě, které trvale vystavuje originální obrazy zapůjčené z jeho pozůstalosti. Návštěvníci mohou jeho díla najít v Rothkově sále, prostoru navrženého tak, aby tyto konkrétní plátna hostil v prostředí, které vzdává holdbu jeho kořenům.
No. 1 (bez data)
Three (bez datu)
No. 3/No. 13 (bez datu)
No. 10 (bez datu)
Magenta, Black, Green on Orange (bez datu)
White over Red (bez datu)
Muzeum
Vystaveno v Haag, Nizozemsko
Útočiště modernity: Duše Kunstmuseum Den Haag
V elegantní čtvrti Statenkwartier v
Haagu
, jen pár nádechů od svěžného mořského vánku ze Scheveningen, se nachází útočiště, kde se čas zdá být v harmonii s rytmem moderního myšlení.
Kunstmuseum Den Haag
je mnohem víc než pouhým úložištěm artefaktů; je to živý dialog mezi minulostí a budoucností. Od svého vzniku jako Museum voor Moderne Kunst prošla tato instituce hlubokou metamorfózou, kdy pod nánosy jmen jako Haags Gemeentemuseum vyrostla v přední pilíř holandského uměleckého dědictví. Pro náročného sběratele či milovníka jemné estetiky nabízí muzeum intimní setkání s samotnou podstatou dvacátého století a představuje pečlivě sestavenou cestu skrze barvu, formu a evoluci lidské výraznosti.
Vstup do Kunstmuseum je vstupem do díla architektury plného záměru. Budova navržená legendárním
Hendrikiem Petrusem Berlagem
sama v sobě slouží jako manifesto modernistických principů. Berlage se vyhnul těžkému, zastrašujícímu mramoru a granitu tradičních památníků a zvolil fasádu ze skromného, obyčejného cihelového zdiva – to byl záměrný gestem pozvání, které mělo překlenout propast mezi vysokým uměním a veřejností. Uvnitř architektura dýchá světlem. Prostorné, sluncem zalité galerie a inovativní expoziční skříně vytvářejí atmosféru jasnosti a klidu, kde jemné bronzové rámy oken a barevné dlaždice vedou oko prostorem, který působí monumentálně i hluboce lidsky zároveň. Pro interiérové designéry hledající inspiraci zůstává Berlagova mistrovství v poměrech a přirozeném osvětlení věčnou studií funkční elegance.
Odkaz barvy a formy
Korunním klenotem této slavné sbírky je bezpochyby bezkonkurenční odkaz
Pieta Mondrian
. Muzeum drží největší sbírku jeho děl na světě a nabízí vzácnou příležitost být svědkem radikálního odklonu umělce od figurativního zobrazení směrem k čisté abstrakci. Návštěvníci mohou sledovat jeho proměnu z krajináře v mistra geometrické přesnosti, což vrcholí v dechberoucím díle
Victory Boogie Woogu
. Toto závěrečné, frenetické mistrovské dílo s jeho živoucí, rytmickou mřížkou primárních barev a černých čar pulzuje kinetickou energií, která stále znovu definuje hranice moderní kompozice.
Přesto genialita muzea spočívá v jeho schopnosti vyvážit Mondrianův strukturovaný vesmír s emotivní hloubkou. Kolekce zve k senzorickému průzkumu napříč různými disciplínami:
Měkké, impresionistické světlo, které nacházíme v dílech
Claude Moneta
.
Nádherný realismus a texturované příběhy mistrů jako je
Vincent van Gogh
.
Subverzivní a současné hlasy ikon, mezi něž patří
Paula Rego
a
Grayson Perry
.
Úchvatné propojení čistého umění a dekorativního mistrovství, viditelné v nádherném
delftském keramikám (Delftware)
, kde se intricátní květinové motivy tančí po porcelánu.
Sofistikovaný průzkum módy, který uchovává krejčovský génius
Cristóbala Balenciagy
a
Gabrielle Chanel
.
Kromě plátna nabízí muzeum multidimenzionální zážitek, od jemné rezonance evropských hudebních nástrojů v Hudebním pokoji až po hlubokou bohatost grafické místnosti obsahující padesát tisíc kreseb. Je to místo, kde se historie pouze studuje, ale i prožívá – destinace, která slibuje dotknout se duše každého návštěvníka svou nesmrtelnou krásou a intelektuální vitalitou.
